Arnold Layne, Pink Floyd

Pink Floyd en 1967. Arriba, de izquierda a derecha: Roger Waters, Nick Mason y Rick Wright; agachado, Syd Barrett
 Fuente: bp.blogspot.com

Pink Floyd se convirtió en los años '70 en unos de los grupos más aclamados del rock, merecidamente. Roger Waters, bajo y voz, Nick Mason, batería, Richard Wright, teclados y voz, y David Gilmour, guitarra y voz, fueron los artífices de LP´s básicos para entender la música moderna. Dark Side of the Moon en 1973 y Wish you were here en 1975 les encaramaron a lo más alto, pero con la publicación del álbum The Wall, en 1979, y su posterior película en 1982, se hicieron aún más populares, en parte gracias al single Another brick on the wall. Luego en los '80 las malas relaciones en el grupo acabaron con la salida de Waters. Los restantes miembros mantuvieron la llama viva hasta 1994. Pink Floyd se reconoce por el sonido de la guitarra de Gilmour, de notas mantenidas, con unos teclados envolventes de Wright que les etiquetaron de rock espacial, usando innumerables efectos de sonido, textos que nos hablan de la cara oculta del ser humano: la opresión, la locura, la guerra, la soledad. Me doy cuenta, mientras escribo y me documento, que el 1 de marzo se han cumplido 40 años de su disco más sobresaliente, cénit de la música, un disco que hay que oír y oír y volver a oír. Pero como ya había elegido la canción a comentar y no era de ese disco, no voy a cambiar de opinión; además, no siempre, sólo algunas veces, coincidirán las entradas con algún aniversario. ¿O es siempre?, porque el día 10 de marzo 2013 se cumplen 46 años de la elegida para este artículo.

Todo tiene un comienzo. Dark side of the moon era ya el octavo disco de un grupo formado en 1965, pero cuyos orígenes arrancan con esa década. The Pink Floyd Sound, como se empezó llamando la banda, tenía como miembros originales a Waters, Mason, Wright, y Syd Barrett, guitarra y voz. Barrett lideró al grupo en estos años de formación cuando el grupo tocaba mucho rhythm and blues. Como evidencia de esa influencia, Barrett tomó el nombre de la banda de dos músicos de blues, Pink Anderson and Floyd Council. Aunque que una vez dijo que un platillo volante la había trasmitido el nombre de Pink Floyd, mientras estaba en Glastonbury Tor, colina que se dice albergó el Avalon de las leyendas artúricas y de la que pudimos ver una recreación con un papel principal en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. 

Los efectos de luces, parte de la escena en la psicodelia.
Fuente: tumblr.com

Eran los años de la psicodelia, de los viajes del ácido lisérgico o LSD a los que todo el grupo se aficionó, pero más aún el principal compositor y cantante, Syd Barrett. The Beatles habían publicado Revolver y Pink Floyd vio en este mundo la mejor forma de plasmar sus ideas, tanto en la composición como en los directos. Exploraban un nuevo campo musical, con sonidos etéreos, que les llevarían a ser los abanderados de la psicodelia británica. Sorprendentes e innovadores, en los conciertos proyectaban imágenes sobre los músicos mientras actuaban. Syd decía entonces: "Creemos que en el futuro los grupos van a tener que ofrecer mucho más que simples espectáculos musicales. Van a tener que ofrecer buenos y completos espectáculos teatrales." Actuación tras actuación por los clubes de Londres se crearon un nombre que les llevó a fichar por EMI el 1 de febrero de 1967. Tres días antes habían grabado su primer single, Arnold Layne, en los Estudios Sound Techniques con el productor Joe Boyd. Tras fichar por EMI, regrabaron la canción el 27 de febrero, pero la elegida fue la primera versión. Se lanzó el 10 de marzo en el Reino Unido y el 24 de abril en Estados Unidos, llegando en las listas británicas al número 20. En la cara B aparece Candy and a Currant Bun, también escrita por Syd.

Portada del single Arnold Layne.
Fuente: wikipedia.org

Arnold Layne trata de un travesti que robaba ropa de mujer de los tendales y está basado en un personaje real. Roger Waters contaba la historia así: "Tanto mi madre y como la de Syd tenían estudiantes como inquilinas porque había un colegio de niñas al final de la calle así que había constantemente grandes hileras de sujetadores y bragas en nuestro tendederos y 'Arnold' o quienquiera que fuese, quitaba piezas de los tendederos." Nunca le pillaron.

En directo la canción duraba entre diez y quince minutos, con largos desarrollos instrumentales, pero fue reducida para convertirla en el primer single. Nick Mason dijo que era fue la elegida para el single porque se podía condensar en tres minutos sin perder demasiado su esencia. Comienza con el bajo y la batería marcando el ritmo y enseguida la voz de Syd sobrevuela con un eco, hipnótica, mientras la guitarra sirve de acompañamiento. Richard Wright le acompaña en varias frases. A mitad de canción Wright toca un breve solo de órgano con un innegable aire psicodélico, no puede encajar mejor, muestra de lo que eran los directos. Vuelve Syd repitiendo Arnold Layne casi como un mantra, y acaba pidiéndole: "no lo hagas de nuevo".

Imagen del vídeo promocional de Arnold Layne.
Fuente: themortonreport.com

La emisora pirata Radio Londres dijo de ella que era demasiado alejada de la sociedad normal y la censuró. Poco después la BBC también prohibió su emisión. En una entrevista de aquellos días le preguntaron: "Syd, ¿por qué escribiste una canción tan sucia, obscena, inmoral y degradante como Arnold Layne?". Syd parpadeó sin comprender: "Bueno, yo sólo escribí lo que pensaba. Arnold Layne era un nombre bonito, y se adaptó muy bien en la música que había compuesto". Una respuesta con todo el sentido común hacia un interlocutor con nada de respeto. Por lo menos hemos avanzado en tolerancia.

A finales de febrero de 1967 se grabó en la playa de East Wittering, West Sussex una película de promoción para ser emitida en Top of the Pops de la BBC el 3 de abril, pero no salió al caerse la canción de las listas. En él los cuatro vestían y desvestían, armaban y desarmaban un maniquí. 

Se grabó otro videoclip para el programa de TV francesa Bouton Rouge en la iglesia de St Michael en Highgate, cerca de la isla de Wight, el 29 de abril, en los días que comenzó el deterioro mental de Syd Barrett. Primero en un bosque, junto a una laguna y delante de la iglesia. Los dos vídeos están grabados con estética psicodélica, con imágenes grabadas al revés y con poses alocadas y divertidas.

Arnold Layne no se incluyó en el LP The piper at the gates of dawn, que se lanzó el 5 de agosto de 1967, aunque sí en la edición especial del cuarenta aniversario y en varios recopilatorios, siendo Relics de 1971 donde apareció por vez primera. En esos días cuando Pink Floyd grababa "The piper ..." en el estudio 3 de Abbey Road de EMI, The Beatles daban forma a su obra maestra "Sargeant Pepper´s" en el estudio 2, coincidiendo en los días y en las horas de las largas sesiones de grabación, siendo oficialmente presentados el 21 de marzo, en la sesión en que The Beatles grabaron Lovely Rita y Getting Better. Lennon y McCartney ya les habían visto en la sala Roundhouse a finales de 1966. Este primer LP de Pink Floyd fue producido por Norman Smith, y llegó al número 6 de las listas británicas. El título lo tomó Barrett del capítulo séptimo del cuento The Wind in the Willows -El viento en los sauces- de Kenneth Grahame.

Portada del LP The piper at the gates of dawn.
Fuente: pinkfloydarchives.com

Durante 1967 la conducta de Syd se fue haciendo incomprensible para el grupo, se quedaba ido con la mirada perdida; en medio de un concierto, se estancó en un mismo acorde durante todas las canciones. La gira por Estados Unidos colmó la paciencia del grupo. En diciembre de 1967 el grupo cansado de esta situación ficha otro guitarrista, un antiguo amigo del instituto del propio Barrett llamado David Gilmour. Siguiendo el ejemplo de Brian Wilson en los Beach Boys, durante tres meses intentaron mantener a Syd en el grupo como compositor, fuera de los escenarios, pero la situación era insostenible. En marzo de 1968, queda fuera del grupo.

Su historia es la de un joven brillante que se desvaneció en el peligroso mundo de las drogas. Como Brian Jones de los Rollling Stones, habían definido una década en la música, pero ambos se perdieron en el camino. Syd voló demasiado lejos; tanto voló que nunca más aterrizó. ¿Le utilizaría Paul McCartney para crear su loco en la colina? Por las fechas bien podría ser y por los lugares también. Sin embargo, hay un debate abierto sobre si fue el uso de las drogas lo que le trastornó o simplemente sacó a la superficie su "locura". ¿Sufría esquizofrenia o padecía el síndrome de Asperger? En la página Incorrectpleasures se decantan por la sinestesia. Y en www.schizophrenia.com le consideran esquizofrénico. Sea como sea sus antiguos compañeros quedaron muy afectados y el recuerdo del compañero quedó reflejado en Wish you were here, canción y LP, en The Wall, y canciones como Brain damage o Shine On You Crazy Diamond. El mismo dijo: "La mente no tiene limites, pero sí cansancio."

"¿Qué es la razón? La locura de todos. ¿Qué es la locura? La razón de uno." Giuseppe Rensi.

Syd Barrett, el flautista a las puertas del amanecer. Fuente: box3.net

Las grabaciones disponibles de los conciertos con Syd, no son muchas, ni de buena calidad, caso de la actuación en el Star Club de Copenague. 

El 27 de mayo de 2006 Gilmour y Wright la interpretaron en el programa de Jools Holland. David Gilmour la incluyó en mayo de 2006 en el Royal Albert Hall, en su gira en solitario de On an island, de la que hizo dos versiones, una cantada por Richard Wright, el 31 de mayo y otra por David Bowie el 29 de mayo, que aparecen en el DVD Remember that night.

Pink Floyd se juntó el 10 de mayo de 2007, con la ausencia de Roger Waters, en un concierto homenaje a Barrett muerto el 7 de julio del año anterior, titulado The Madcap's Last Laugh, en el Barbican de Londres. Wright, segunda voz en el original, fue el solista en lo que sería su última actuación vocal, pues también moriría al año siguiente. El 6 de septiembre de 2007 Wright hizo su última actuación con Gilmour en la gira de este último en la premier de la gira de Remember that night en Leicester Square Odeon con David Bowie como cantante invitado. 

Arnold Layne (Syd Barrett)

Músicos:

Syd Barrett: guitarra y voz solista.

Roger Waters: bajo.

Richard Wright: órgano y coros.

Nick Mason: batería y percusión.

Letras en inglés

Arnold Layne had a strange hobby

Collecting clothes

Moonshine, washing line - they suit him fine!

On the wall hung a tall mirror

Distorted view, see through baby blue - he dug it!

Oh, Arnold Layne, it's not the same

Takes two to know, two to know

Two to know, two to know

Why can't you see?!

Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!

Now he's caught - a nasty sort of person

They gave him time

Doors bang, chain gang - he hated it!

Oh, Arnold Layne, it's not the same

Takes two to know, two to know

Two to know, two to know

Why can't you see?!

Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!

don't do it again

Letras en español

Arnold Layne tenía una extraña afición

colecciona ropa,

a la luz de la luna, del tendedero -le sientan bien!

En la pared colgaba un espejo alto

visión distorsionada, ve a través del azul celeste -le chiflaba.

oh, Arnold Layne, no es lo mismo,

se necesitan dos para saberlo, dos para saberlo,

dos para saberlo, dos para saberlo.

¿No te das cuenta?

¡Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!

Ahora le han atrapado -un tipo de persona asquerosa

Le dieron tiempo

portazos - prisioneros encadenados- él lo odia,

oh, Arnold Layne, no es lo mismo,

se necesitan dos para saberlo, dos para saberlo,

dos para saberlo, dos para saberlo.

¿No te das cuenta?

¡Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!

No lo vuelvas a hacer.

~~~~~~

¿Lo volvería a hacer?

Paint it black, Rolling Stones

The Rolling Stones, de izquierda a derecha: Bill Wyman, Keith Richards, Brian Jones, Mick Jagger, Charlie Watts.
Fuente: hiphappy.me

The Rolling Stones, la banda de rock and roll más grande del mundo, comenzaron a andar en 1962, como sus amigos The Beatles. Cincuenta años regalándonos música. El 12 de julio de 1962 ofrecieron su primer concierto oficial, ahí estaban ya Mick Jagger, voz, Keith Richards, guitarra solista, y Brian Jones, guitarra rítmica, pero hubo de esperar a que se unieran Bill Wyman, en el bajo, en diciembre de ese año y en enero de 1963 Charlie Watts, a la batería, por lo que ellos siempre han considerado enero de 1963 como su verdadero inicio. Al quinteto hay que añadir a Ian Stewart, al piano; éste fue miembro fundador, pero apartado por el manager, quedó como miembro estable, no oficial, hasta su muerte en 1985. En 50 años han pasado por muchas etapas. Como The Beatles los Stones encontraron sus fuentes en la música norteamericana. Los de Liverpool crearon en seguida sus propias canciones, pero los londinenses con poco material propio versionearon música rhymth and blues, rock and roll o blues, de hecho casi todos sus primeros singles de 1963 y 1964 tenían como autores a Berry, Lennon y McCartney, Alexander, Dixon o Holly. A partir de 1965 la mayoría de sus canciones fueron propias, más aún tras el éxito mundial de I can´t get no satisfaction. Desde entonces crearon un sonido propio evolucionado desde esos orígenes R&B hacía un rock a veces con tintes blues, otras veces más cerca del rock and roll.

En 1966 los Rolling Stones se sumaron a la música psicodélica, corriente que unía las experiencias creadas por drogas como el cannabis o el LSD y la incorporación de sonidos de música no occidental, como la hindú. La psicodelia fue transversal a diversos géneros, como el pop, el blues rock y el folk rock, en grupos como Cream, The Beatles, Byrds, Beach Boys, Doors, Dylan o Pink Floyd.

Portada single británico. Fuente: eil.com

Paint it, black ya es rock psicodélico, aunque el single anterior, 19th nervous breakdown, de febrero de 1966 tenía referencias al uso de LSD. Paint it, black fue compuesto a caballo entre la segunda gira de Norteamérica que acabó en Los Angeles el 5 de diciembre de 1965 y la gira de Australasia de febrero de 1966. Su grabación se hizo en Los Angeles entre el 6 y el 9 de marzo de 1966 poco antes de la gira europea y fue publicado como single el 7 de mayo en Estados Unidos por London Records (con Stupid Girl en la cara B) y el día 13 en el Reino Unido por Decca (con Long Long While en la B), bajo la producción de Andrew Loog Oldham. Se grabó en mono y dura 3'45". Fue número 1 el 26 de mayo en las listas británicas y el 11 de junio en la lista estadounidense Billboard. Se incluyó en el álbum Aftermath, pero sólo en la versión de Estados Unidos, lanzado el 2 de julio. La versión en estéreo del álbum es la más conocida y dura 3'22". Según Keith Richards Decca incluyó por error la coma que el grupo no había puesto, lo que cambiaba por completo el significado.

Desde que en 1987 Stanley Kubrick la incluyera en "La chaqueta metálica" se asoció a la guerra de Vietnam, pero ese no es el tema de la canción. Habla de la pérdida de alguien querido, pero no por la guerra de la que no hay ninguna referencia. Jagger siempre ha dicho que habla de la muerte de una chica. La muerte es un tema poco habitual en los años de la cultura hippy, donde el amor es el centro de la mayoría de las canciones, pero los Rolling expresaban la otra cara de la moneda, I can't get no satisfaction, As tears go by o Paint it black, son ejemplos de insatisfacción, tristeza y desesperación.

Brian Jones tocando el sitar. Fuente: iorr.org

La canción fue en realidad compuesta por todo el grupo, aunque en los créditos sólo aparecen Jagger, que escribió la letra, y Richards, que compuso la música. Según Richards el punto de partida fue la parodia tocando el órgano que hizo Bill Wyman de su primer manager, Eric Easton, que empezó como organista en un cine. En principio la canción tenía un ritmo más lento, pero Bill Wyman, que quería un sonido de bajo más rotundo, comenzó a golpear los pedales de un órgano con los puños; al final el sonido del bajo se dobló con los pedales del órgano Hammond B3, uniéndose Watts con su batería. Pero lo que realmente la definió fue el sitar y el riff que Brian Jones creó. Ese riff es hipnótico, perdurable en la memoria de cualquiera que haya escuchado Paint it, black. George Harrison había utilizado el sitar en Norwegian wood en 1965 y Jones, con las mismas inquietudes que el beatle, lo quiso también incorporar a su grupo. Ravi Shankar, el maestro de esta música clásica hindú, fallecido el 11 de diciembre de 2012, fue quien hizo que Occidente se enamorara de este instrumento, que Brian Jones encaja con los otros, bajo, guitarra, batería y piano de forma natural, dándole un color único. Jones era capaz de tocar cualquier instrumento, propio o ajeno al rock: guitarra, bajo, pero también dulcimer y clavecín en Lady Jane, saxofón y oboe en Dandelion, marimba en Under my thumb, por citar algunos ejemplos. Ni que decir tiene que el Stone rubio se encontró como pez en el agua en esta etapa de experimentación que vivía el grupo.

Paint it, black comienza con el sitar que hace una intro en solitario hasta que la batería de Watts marca, rotunda, el paso. Entonces Jagger canta apoyado en el sitar y la guitarra, que están presentes hasta el final. Empieza directamente con el estribillo, que sólo se repetirá una vez, haciendo de la canción un caso poco frecuente. El protagonista nos expresa el dolor por la muerte de su pareja, salpicando la historia de tristes imágenes. La puerta roja simboliza la vida y la puerta negra la muerte. Pide de forma obsesiva, tanto que la palabra black se llega a decir diez veces, que las puertas se pinten de negro, lo que parece tomarse de los funerales de la Reina Victoria, donde puertas y rejas se pintaron de ese color. La frase "I have to turn my head until my darkness goes" viene del Ulyses de James Joyce. Llega a insinuar el suicidio como única forma de escapar de la amargura que siente: "Maybe then I'll fade away and not have to face the facts", "Quizás así me desvaneceré y no tendré que afrontar los hechos". La voz pasa de versos lentos, que transmiten el duelo del protagonista y donde el sitar es más audible, a versos rápidos, casi gritados, evidencia de su desesperación, donde la batería está más presente y la guitarra sustituye al sitar en el riff. Esta alternancia recorre toda la canción, pero hay un momento en que la voz suena aún más lastimera "No more will my green sea go turn a deeper blue, I could not forsee this thing happening to you", "nunca más mi verde mar cambiará a un azul profundo, yo no podía prever que esto te pasaría a ti", logrando el efecto gracias a que la batería cesa en ese momento reemplazada por una pandereta. Tras repetir el estribillo, la melodía principal es tarareada, en un efecto estremecedor, hasta que el cantante grita, desgarrado y roto por el dolor, que quiere ver el sol borrado del cielo. 

Hay en You Tube la posibilidad de oír una versión instrumental, y también una muy interesante con la pista del sitar y la guitarra, donde observar el gran trabajo de Jones y Richards. La versión del LP de 3'22" se puede escuchar aquí.

Portada LP Aftermath Estados Unidos.
Fuente: rollingstones.com

El recorrido de los Rolling Stones por el rock psicodélico duró dos años, 1966 y 1967, con los álbumes Aftermath, Between the buttons y Their Satanic Majesties Request, de forma paralela a The Beatles, que en esa etapa grabaron Rubber Soul, Revolver, Sgt. Pepper´s y Magical Mystery Tour. En 1968 todo cambió, se dieron acontecimientos que convulsionaron al mundo como los asesinatos de Robert Kennedy y Martin Luther King, las tropas soviéticas aplastando la Primavera de Praga, las revueltas de mayo en París, la Guerra de Vietnam en su punto álgido; todo mostraba que el sueño se había acabado. Los dos grupos líderes volvieron a las raíces, como evidencian las portadas desnudas de adorno de 1968 Beggar´s banquet, de los Rolling Stones y el doble blanco de The Beatles. Los dos grupos comparten más cosas de lo que algunos quisieron vender; se creó una rivalidad comercial que no existió, sino todo lo contrario, colaboraban con frecuencia y se admiraban mutuamente; de hecho, John Lennon consideraba Paint it, black la mejor canción del siglo XX.

Tocando Paint it, black en Ready, Steady, Go. Fuente: rollingstoned.tumblr.com

En directo ha formado parte de su repertorio en muchas ocasiones. Su primera presentación fue en el programa británico Thank You Lucky Stars, el 14 de mayo de 1966, es decir, al día siguiente de su publicación; interesante a pesar de hacer playback. El 27 de mayo tocaron en Ready, Steady, Go haciendo directo sólo Mick. El 11 de septiembre de 1966, en su cuarta aparición en el programa de la CBS Ed Sullivan Show, tocaron Paint it, black,  además de Lady Jane y Have tour seen your mother...? De nuevo, es Mick quien canta en directo y el grupo actúa.

Para escuchar en directo de verdad a todo el grupo en esos años tenemos, por ejemplo, la actuación en Honolulu, Hawai el 28 de julio de ese mismo año en el último concierto de la gira norteamericana. Se volvió a interpretar en 1967, pero no volvió hasta la gira de 1989 y 1990 en la "Steel Wheels/Urban Jungle Tour", la última gira con Bill Wyman. Incluidos esa gira en febrero de 1990 hicieron 10 conciertos en dos semanas en el Tokyo Dome y tocaron esta gran versión del tema.

Tras el retiro del bajista original la han vuelto a tocar muchas veces como en Buenos Aires en febrero de 2006 y en ese mismo año en Nueva York ambos conciertos en la gira "A Bigger Bang Concert Tour", o en sus últimos conciertos en el O2 de Londres en noviembre de 2012 y en diciembre de 2012 en Nueva York en lo que han llamado "50 & COUNTING" (50 y contando), para celebrar 50 años de rock.

Paint it, black (Mick Jagger / Keith Richards)

Instrumentación

Charlie Watts: batería

Bill Wyman: bajo y órgano

Keith Richards: guitarra eléctrica, acústica y coros

Mick Jagger: voz, coros y percusión

Brian Jones: sitar

Jack Nitzsche: piano

Letras originales

I see a red door and I want it painted black

No colors anymore, I want them to turn black

I see the girls walk by dressed in their summer clothes

I have to turn my head until my darkness goes

I see a line of cars and they're all painted black

With flowers and my love both never to come back

I see people turn their heads and quickly look away

Like a newborn baby, it just happens every day

I look inside myself and see my heart is black

I see my red door, I must have it painted black

Maybe then I'll fade away and not have to face the facts

It's not easy facing up when your whole world is black

No more will my green sea go turn a deeper blue

I could not foresee this thing happening to you

If I look hard enough into the setting sun

My love will laugh with me before the morning comes

I see a red door and I want it painted black

No colors anymore, I want them to turn black

I see the girls walk by dressed in their summer clothes

I have to turn my head until my darkness goes

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

I want to see it painted, painted black, black as night, black as coal

I want to see the sun blotted out from the sky

I want to see it painted, painted, painted, painted black, yeah

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Traducción

Veo una puerta roja y quiero verla de negro

Sin colores nunca más, que se conviertan en negro

Veo a las chicas pasar con sus ropas de verano

Debo alejar la vista hasta que mi oscuridad haya pasado

Veo una línea de coches y están pintados de negro

Con flores y mi amor, ninguna regresará

Veo a la gente girar sus cabezas y enseguida olvidando

Como un niño que nace, es algo que pasa a diario

Miro dentro de mí y veo que mi corazón es negro

Veo mi puerta roja, debo pintarla de negro

Quizás así me desvaneceré y no tendré que afrontar los hechos

No es fácil afrontarlos cuando todo el mundo es negro

Nunca más mi verde mar cambiará el oscuro azul

No pude prever que esto te ocurriría a ti

Si miro al sol poniente con determinación

Mi amor reirá conmigo antes de que vuelva la mañana

Veo una puerta roja y quiero verla de negro

Sin colores nunca más, que se conviertan en negro

Veo a las chicas pasar con sus ropas de verano

Debo alejar la vista hasta que mi oscuridad haya pasado

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Quiero verla pintada de negro, negro como la noche, negro como el carbón

Quiero ver al sol borrado del cielo

¡Quiero verla pintada, pintada, pintada de negro! ¡Yeah!

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hm hmm

Harold Land, Yes

Primera formación de Yes: de izquierda a derecha Peter Banks,
Bill Bruford, Jon Anderson, Chris Squire, Tony Kaye
Fuente: mercado.articulolibre.cl

En el verano de 1968, el cantante Jon Anderson se unió a un grupo llamado Toyshop Mabel Greer, que también incluía el bajista Chris Squire y el guitarrista Peter Banks. Después llegaron el batería Bill Bruford y el teclista Tony Kaye, creando el grupo Yes. Tocaron por multitud de locales como el Marquee y fueron teloneros en los conciertos de despedida de Cream en el Royal Albert Hall de Londres el 25 y 26 de noviembre de 1968. En la primavera de 1969 grabaron su primer disco "Yes", que fue producido por la banda y Paul Clay, y publicado por el sello Atlantic el 25 de julio de 1969.

Portada LP "Yes", edición Reino Unido
Fuente: sinfomusic.es

Musicalmente, en este primer disco Yes estaba buscando su sonido en plena vanguardia, mediante sus propias canciones o reelaborando versiones de grupos como The Beatles, Simon and Garfunkel, o CSN con ritmos cambiantes de pasajes instrumentales y armonías vocales, con el que irán creando un estilo único. Los dos primeros LP´s de Yes son otra cosa a lo que después les encumbrará como uno de los líderes del rock progresivo, muestran un grupo buscando su personalidad. No tendrán el arranque de King Crimson o ELP, pero esta obra es mucho más madura que el dubitativo inicio de Genesis. 

Portada LP "Yes", edición EE. UU.

Así ocurre en Harold Land, anticipo de lo que está por venir en la música de Yes. La canción fue compuesta por Anderson, Squire y Bruford, siendo éste último quien sugirió el nombre, que es el de un saxofonista de jazz, pero que no tiene nada que ver con el personaje. Lo que aquí se presenta es un mensaje claramente antimilitarista. Eran los años de la guerra de Vietnam, de la cultura hippie, del "Haz el Amor, no la guerra", y Yes nos cuenta la historia de una persona que es llamada a las armas, y como, tras su regreso, había perdido "su amor y juventud". Al final del primer verso se dice "...goodbye to all that", que es el título de una novela de Robert Graves, escrita en 1929, donde cuenta su vivencia en la Primera Guerra Mundial, y los horrores con los que se encontró.

La canción entra sin avisar con el órgano Hammond de Kaye que lleva las riendas, acompañado por la batería, las voces entran a escena por un momento y de nuevo dominan el órgano y la batería. Hasta el minuto y medio no empieza propiamente la canción con la voz de Anderson casi sin acompañamiento contrastando con el comienzo, a partir de aquí el ritmo se acelera, mientras Anderson, Banks y Squire hacen coros al final de cada estrofa. La letra y la música son consecuentes una con otra, mientras Jon canta "...soldiers in the rain...", la música suena a desfile militar, sin embargo a continuación como contrapunto al momento anterior la música va a tono con el momento sombrío que nos relata "in the mud ...". La sección central "Going home" establece una de las señales distintivas de toda la carrera del grupo, los juegos vocales entre el solista y Squire. En la última estrofa la voz de Jon vuelve a sonar íntima enmarcada por el órgano, mientras se acrecienta el ritmo para desembocar en una conclusión: "...there is no heart in Harold Land", aunque sobrevivas a la guerra ésta se lleva tu corazón". Al final vuelve la misma sección con la que se inició la canción. A pesar de no ser uno de los compositores el trabajo de Kaye es excelente y demuestra que es pieza fundamental en los inicios del grupo.

Instrumentación:

Bill Bruford: batería

Chris Squire: bajo y voces

Peter Banks: guitarra y voces

Jon Anderson: voz solista

Tony Kaye: órgano y piano

Harold Land with a wave of his hand said goodbye to all that.

He paid his bills and stopped the Milk, then put on his hat.

He tried to say his last farewells as quickly as he could,

promising that he would return, but doubted that he would,

doubted that he would.

Now he's marching soldiers in the rain as on to war they rode.

A long thin line of human mind, damnation as their load.

In the mud in coldness dark, he'd shiver out his fear,

what disappointing sights he'd seen instead of one´s so dear,

instead of one´s so dear, so dear.

Going home, he's going home to the land he loved so well.

Going home, he fought for two whole years he never fell.

Going home, he's going home,

going home, he's going home.

Harold Land with a wave of his hand stood sadly on the stage,

clutching red ribbons from a badge, but he didn't look his age.

Only two years had passed between his leaving home and back;

he had lost his love and youth while leading the attack, leading the attack.

In conversation it could be said,

well after war your heart is dead.

Well it's not hard to understand,

there is no heart in Harold Land.

.............

Harold Land, con un gesto de la mano, se despidió de todo eso.

Pagó sus cuentas, canceló la leche, luego se puso el sombrero.

Trató de decir sus últimos adioses tan rápido como pudo,

prometiendo que volvería, pero dudaba que lo hiciera,

dudaba que lo hiciera.

Ahora está marchando, soldados bajo la lluvia, sujeto a la guerra que ellos montaron. 

Una línea larga y delgada de mentes humanas, ¡la condenación como su carga! 

En el barro, en la oscura frialdad, había temblado de miedo, 

qué visiones desalentadoras había visto en lugar de una tan querida,

en lugar de una tan querida. 

De vuelta a casa, él va a casa a la tierra que tanto amaba. 

De vuelta a casa, luchó durante dos años completos nunca cayó.

De vuelta a casa, él va a casa, 

de vuelta a casa, él va a casa. 

Harold Land con un gesto de su mano quedó tristemente en el escenario, 

agarrando lazos rojos de una insignia pero él no aparentaba su edad.

Sólo dos años habían pasado entre su salida y regreso a casa; 

había perdido su amor y su juventud mientras lideraba el ataque,

liderando el ataque. 

En conversación se podría decir, 

bueno, después de la guerra tu corazón está muerto. 

Bueno, no es difícil de entender,

no hay corazón en Harold Land.

Love me do / P.S. I love you, The Beatles

Single de EE.UU. Fuente: Wikipedia

LOVE ME DO. "ÁMAME". 
Se cumplen 50 años desde que The Beatles nos pidieron al mundo que les amásemos, y el mundo así lo hizo. No nos dejaron otra opción, y siguen sin dejárnosla. Canción tras canción nos sorprendieron, y nos atraparon. Tras varios años de formación por fin les había llegado el momento y el 5 de octubre de 1962, también un viernes, salió a la venta su primer single Love me do, con P. S. I love you en la cara B.

Es una composición de Lennon y McCartney, compuesta principalmente por Paul a los 16 años, mientras hacía novillos, con la ayuda de su compañero John. La canción comenzaba con una armónica tocada por John, luego tanto éste como Paul llevaban las voces principales; ya que Lennon tenía que utilizar la armónica en el «do» de «love me doo» y hasta entonces el solo de la canción lo hacía él, George Martin decidió que lo hiciera McCartney. La armónica se convirtió en un elemento característico de las primeras canciones de The Beatles, como el caso de Please Please Me o From me to you. La utilizada aquí la robó Lennon en Holanda.

Fuente: Beatlesource

En el Reino Unido, alcanzó el número diecisiete de las listas (se dijo que Brian Epstein había comprado 10000 copias para su tienda Nems); fue relanzado en 1982, alcanzando el cuarto puesto. En Estados Unidos fue número uno en 1964. Paul: "Si queréis saber cuándo supimos que habíamos triunfado, fue cuando entramos en las listas de éxitos con Love me do. Eso fue lo que nos abrió el camino."

Love Me Do se grabó en tres sesiones con tres baterías diferentes.

La primera fue el 6 de junio de 1962 con Pete Best, en la audición para EMI en los estudios Abbey Road, pero el grupo le despidió en agosto por desavenencias y posiblemente por que a George Martin no le gustó como tocaba. Es la versión de Anthology 1. En esta sesión Martin pidió a los Beatles si había algo que les gustaba, a loa que George Harrison respondió: "Bueno, tu corbata, para empezar." Ese fue el punto de inflexión, según Smith, John Lennon y Paul McCartney se unieron con bromas y cómicos juegos de palabras lo que hizo pensar a Martin que sólo por su ingenio debía firmar el contrato con ellos.

Estudios EMI de Abbey Road, 4 de Septiembre 1962
Fuente : The beatlesbible

El 4 de septiembre de ese mismo año, con Ringo Starr, que era Beatle sólo desde el 18 de agosto, la canción volvió a ser grabada. Esta es la versión de Rarities, y Past Masters; también fue el single hasta la publicación del LP Please Please Me en marzo de 1963. Ese mismo día se grabó How do you do it? de M. Murray que Martin quería como single, pero The Beatles le convencieron y no se publicó hasta 1995 en Anthology 1.

Una semana después, el 11 de septiembre, regresaron al estudio para darse cuenta que Martin estaba poco satisfecho con la interpretación de Ringo, e hicieron otra grabación con el batería de estudio Andy White, mientras que Starr tocaba la pandereta. Hicieron 18 tomas. Se publicó como sencillo, y en los LP´s Please Please Me y 1.

Instrumentación:

John: armónica y voz

Paul: bajo Hofner 500/1 ’61 y voz

George: guitarra Gibson J160Et

Ringo: pandereta

Andy White: batería

Otras versiones

La banda también grabó Love Me Do ocho veces para la BBC; la versión del 10 de julio de 1963, del programa Pop Go The Beatles, se incluyó en Live At The BBC. En las sesiones de Get back también hicieron una versión blues junto a Billy Preston. Para el 50 aniversario EMI tenía prevista una edición limitada réplica de la original, cancelada al descubrir que era la versión de Andy White en lugar de la de Ringo.

Visto desde hoy día nos puede parecer que lo fundamental de Love me do no era la música, parece más importante el hecho de iniciar una nueva era musical, en un mundo que estaba cambiando al son de la música de The Beatles. Pero, en realidad, en el plano musical esta canción era un cambio. A pesar de que su estructura musical era sencilla, la música que se llevaba era otra, eran los coletazos finales del rock and roll, y Love me do, poseía frescura y originalidad, era pegadiza. El juego de las dos voces, que tenía precedente en los Everly Brothers sería una de las notas distintivas de The Beatles, y el novedoso uso de la armónica. Era la música beat.

P. S. I love you

La cara B era P. S. I love you, una composición de McCartney, compuesta en 1961 en Hamburgo, pensada como una carta a una novia y que entusiasmó al público femenino. Es una canción encantadora, propia de Paul, con toque cha, cha, cha marcado por la percusión. Las dos canciones formaron parte de los directos en 1962 y 1963.

George Martin. Fuente: http://soundofthehound.com

A diferencia de Love me do, en este caso se grabaron dos versiones, la de la primera audición para EMI con Pete Best el 6 de junio de 1962, con un número indeterminado de tomas y la del 11 de septiembre con Andy White a la batería y Ringo a las maracas; en consecuencia Starr no grabó nunca esta canción en estudio. De ella hicieron 10 tomas y quedaron tan contentos con la grabación que estuvo a punto de ser la cara A, pero se descartó por que Ron Richards, que sustituía a Martin, dijo que el título había sido utilizado en una canción anterior, ¡en 1934! Además se grabó tres veces para distintos programas de BBC radio, esta vez con Ringo a la batería, como ésta para Pop go the Beatles.

Instrumentación:

John: guitarra Gibson J160E y voz 

Paul: bajo Hofner 500/1 ’61 y voz 

George: guitarra Gibson J160Et y voz 

Ringo: maracas 

Andy White: batería

Letras:

Mientras escribo esta carta,

te envío mi amor,

recuerda que siempre

voy a estar enamorado de ti. 

Atesora estas pocas palabras 

hasta que estemos juntos, 

guarda todo mi amor para siempre, 

P. D., te amo a ti, a ti, a ti. 

Volveré a casa de nuevo por ti, amor, 

y hasta el día que lo haga, amor, 

P. D., te amo a ti, a ti, a ti. 

Mientras escribo esta carta,

te envío mi amor,

recuerda que siempre 

voy a estar enamorado de ti.

Atesora estas pocas palabras 

hasta que estemos juntos,

guarda todo mi amor para siempre,

P. D., te amo a ti, a ti, a ti.

Mientras escribo esta carta, (Oh) 

te envío mi amor, (Sabes que te quiero)

recuerda que siempre (Sí)

voy a estar enamorado de ti.

Volveré a casa de nuevo por ti, amor,

y hasta el día que lo haga, amor,

P. D., te amo a ti, a ti, a ti 

a ti, a ti, a ti. 

Te amo.