Tras un descanso he vuelto a retomar el blog, y como hoy es un día especial para ti, Ana, te dedico esta entrada.
Birthday "Cumpleaños" es una canción de rock de The Beatles compuesta por Paul McCartney y John Lennon, que abre la cara C del LP conocido como doble blanco, titulado en realidad The Beatles y publicado el 22 de noviembre de 1968, por EMI.
The Beatles el 28 de julio de 1968. Sesión de fotos A day in the life of The Beatles o The Mad Day Out con el fotógrafo Don McCullin. Fuente: beatlesbible.com
Ese año los Beatles buscaban reencontrarse de nuevo. Tenían que parar y pensar qué camino tomar. En la historia del grupo cada año valía por diez y en 1967 habían pasado demasiadas cosas. Habían dejado atrás los conciertos, concentrando sus energías en la producción de sus nuevos discos, cada vez más sofisticados. El resultado aún nos asombra: el imprescindible LP Sgt. Pepper´s lonely hearts club band, precedido por el single de doble cara A Penny Lane / Strawberry fields forever, y aprovechando la primera retransmisión por via satélite cantaron su mensaje de amor al mundo, All you need is love. Pero la muerte en agosto de su manager, Brian Epstein, les obligaría a encargarse del negocio y ellos "solo" eran músicos. McCartney se puso al frente del grupo para el proyecto de una película de televisión Magical Mystery Tour, emitida en diciembre, pero fue un fracaso, aunque contenía I am the walrus y The fool on the hill.
Entonces decidieron tomarse ese respiro y en febrero se fueron a la India para un curso de meditación trascendental con el gurú que habían conocido en Gales en agosto, el Maharishi Mahesh Yogi. En esos tres meses compusieron treinta canciones, la mayoría destinadas al nuevo LP, el décimo, que grabarían entre mayo y octubre de 1968. La psicodelia había quedado atrás. Decidieron volver a las raíces del rock and roll con el que habían crecido, las canciones tenían menos arreglos, se volvía a la sencillez.
Los Beatles con sus mujeres en la India con el Maharishi. Fuente: margauxdnnln.umblr.com
Este disco es, a diferencia del Sgt. Peppers, la suma de los esfuerzos individuales de cuatro músicos. En cierto sentido es doble por esa razón, cada uno quería su espacio para sus canciones en las que los demás ya no aportarían tanto como antes sobre todo a las labores de composición. En ese individualismo radica la diversidad del LP; hay country, pop, rock, blues, encontramos desde la casi heavy Helter Skelter a la balada I will, de la proclama contracultural Revolution 1 a la canción de cuna Goodnight.
Portada del LP The-Beatles (White Album).
Fuente: toxicways.com
Aunque no fue compuesta en la India, un ejemplo de esa vuelta a las raíces es Birthday. Paul quería hacer algo como el conocido Happy birthday, pero al estilo rock and roll. El 18 de septiembre Paul llegó al estudio a primera hora de la tarde y empezó por el riff de la canción; cuando los demás se presentaron estaba muy avanzada y añadieron sus partes. Hacia las ocho y media, tras 20 tomas, decidieron tomar un descanso y como tenían previsto fueron a casa de McCartney para ver en la BBC2 una película de rock and roll de 1956 The Girl Can't Help It, con música de Berry, Cochran, Gene Vincent y Fats Domino, algunos de sus héroes. Era el complemento ideal para un día de rock. Después hacia las once de la noche volvieron y grabaron las voces, el piano, la pandereta y las palmas hasta que la completaron a las cinco de la mañana. Todo en once horas. En ella se dieron varias circunstancias reseñables por lo poco frecuente: es cantada a dúo por John y Paul, poco habitual por esos años, Paul toca la guitarra y no el bajo, que lo hace George; Pattie y Yoko, mujeres de Harrison y Lennon, hacen coros y dan palmas, lo mismo que el asistente Mal Evans.
The Beatles con Goerge Martin grabando el álbum blanco. Fuente: beatlesinterviews.org
La batería de Ringo abre la canción, el riff de guitarra se hace presente todo el tema, alternándose con el tambor y Paul y John comienzan a cantar; la canción no tiene un momento de respiro, sobre todo para Ringo, que ese día se ganó el sueldo. Por muy rápida y sencilla que pretendieran hacer Birthday, todo lo aprendido en la década dejaría su poso. Y por eso esto es algo más que un rock and roll, lo es en ese piano acelerado, que nos recuerda entre otros a Jerry Lee Lewis, pero el punteo de guitarra y la rotundidad de la batería están anticipando el rock duro de los años '70. Segun Ian MacDonald el sonido de guitarra que se oye hacia el minuto 1'48" se inspira en el grupo Cream. Por cierto el sonido tan particular del piano se logra al utilizarlo con el altavoz Leslie, que estaba pensado para guitarra. Ese efecto lo repetirán en Sun King del Abbey Road. El productor fue el asistente de George Martin, Chris Thomas, porque el primero se había tomado unos días de descanso. Como buen rock and roll no tiene mucha letra, porque sólo quiere celebrar un cumpleaños. Lo mismo que yo. Para que más.
Feliz Cumpleaños, Ana.
Esta canción nació tras dejar de tocar The Beatles en directo, pero Paul la ha recuperado como podemos ver en un vídeo clip con imágenes en directo de la gira de Flower in the dirt en 1990, o en un concierto en Kiev el 14 de junio de 2008.
El 7 de julio de 2010 en el Radio City Music Hall de Nueva York Paul McCartney sorprendió a Ringo Starr el día de su 70 cumpleaños, pues tras terminar el concierto Paul salió al escenario con el grupo de forma que el batería corrió para incorporarse a la canción ya comenzada.
Birthday (John Lennon, Paul McCartney)
Músicos
John Lennon: voz solista, armonías vocales,pandereta, guitarra solista, palmas
Paul McCartney: voz solista, piano,guitarra solista, palmas
Pink Floyd en 1967. Arriba, de izquierda a derecha: Roger Waters, Nick Mason y Rick Wright; agachado, Syd Barrett
Fuente: bp.blogspot.com
Pink Floyd se convirtió en los años '70 en unos de los grupos más aclamados del rock, merecidamente. Roger Waters, bajo y voz, Nick Mason, batería, Richard Wright, teclados y voz, y David Gilmour, guitarra y voz, fueron los artífices de LP´s básicos para entender la música moderna. Dark Side of the Moon en 1973 y Wish you were here en 1975 les encaramaron a lo más alto, pero con la publicación del álbum The Wall, en 1979, y su posterior película en 1982, se hicieron aún más populares, en parte gracias al single Another brick on the wall. Luego en los '80 las malas relaciones en el grupo acabaron con la salida de Waters. Los restantes miembros mantuvieron la llama viva hasta 1994. Pink Floyd se reconoce por el sonido de la guitarra de Gilmour, de notas mantenidas, con unos teclados envolventes de Wright que les etiquetaron de rock espacial, usando innumerables efectos de sonido, textos que nos hablan de la cara oculta del ser humano: la opresión, la locura, la guerra, la soledad. Me doy cuenta, mientras escribo y me documento, que el 1 de marzo se han cumplido 40 años de su disco más sobresaliente, cénit de la música, un disco que hay que oír y oír y volver a oír. Pero como ya había elegido la canción a comentar y no era de ese disco, no voy a cambiar de opinión; además, no siempre, sólo algunas veces, coincidirán las entradas con algún aniversario. ¿O es siempre?, porque el día 10 de marzo 2013 se cumplen 46 años de la elegida para este artículo.
Todo tiene un comienzo. Dark side of the moon era ya el octavo disco de un grupo formado en 1965, pero cuyos orígenes arrancan con esa década. The Pink Floyd Sound, como se empezó llamando la banda, tenía como miembros originales a Waters, Mason, Wright, y Syd Barrett, guitarra y voz. Barrett lideró al grupo en estos años de formación cuando el grupo tocaba mucho rhythm and blues. Como evidencia de esa influencia, Barrett tomó el nombre de la banda de dos músicos de blues, Pink Anderson and Floyd Council. Aunque que una vez dijo que un platillo volante la había trasmitido el nombre de Pink Floyd, mientras estaba en Glastonbury Tor, colina que se dice albergó el Avalon de las leyendas artúricas y de la que pudimos ver una recreación con un papel principal en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012.
Los efectos de luces, parte de la escena en la psicodelia.
Fuente: tumblr.com
Eran los años de la psicodelia, de los viajes del ácido lisérgico o LSD a los que todo el grupo se aficionó, pero más aún el principal compositor y cantante, Syd Barrett. The Beatles habían publicado Revolver y Pink Floyd vio en este mundo la mejor forma de plasmar sus ideas, tanto en la composición como en los directos. Exploraban un nuevo campo musical, con sonidos etéreos, que les llevarían a ser los abanderados de la psicodelia británica. Sorprendentes e innovadores, en los conciertos proyectaban imágenes sobre los músicos mientras actuaban. Syd decía entonces: "Creemos que en el futuro los grupos van a tener que ofrecer mucho más que simples espectáculos musicales. Van a tener que ofrecer buenos y completos espectáculos teatrales." Actuación tras actuación por los clubes de Londres se crearon un nombre que les llevó a fichar por EMI el 1 de febrero de 1967. Tres días antes habían grabado su primer single, Arnold Layne, en los Estudios Sound Techniques con el productor Joe Boyd. Tras fichar por EMI, regrabaron la canción el 27 de febrero, pero la elegida fue la primera versión. Se lanzó el 10 de marzo en el Reino Unido y el 24 de abril en Estados Unidos, llegando en las listas británicas al número 20. En la cara B aparece Candy and a Currant Bun, también escrita por Syd.
Portada del single Arnold Layne.
Fuente: wikipedia.org
Arnold Layne trata de un travesti que robaba ropa de mujer de los tendales y está basado en un personaje real. Roger Waters contaba la historia así: "Tanto mi madre y como la de Syd tenían estudiantes como inquilinas porque había un colegio de niñas al final de la calle así que había constantemente grandes hileras de sujetadores y bragas en nuestro tendederos y 'Arnold' o quienquiera que fuese, quitaba piezas de los tendederos." Nunca le pillaron.
En directo la canción duraba entre diez y quince minutos, con largos desarrollos instrumentales, pero fue reducida para convertirla en el primer single. Nick Mason dijo que era fue la elegida para el single porque se podía condensar en tres minutos sin perder demasiado su esencia. Comienza con el bajo y la batería marcando el ritmo y enseguida la voz de Syd sobrevuela con un eco, hipnótica, mientras la guitarra sirve de acompañamiento. Richard Wright le acompaña en varias frases. A mitad de canción Wright toca un breve solo de órgano con un innegable aire psicodélico, no puede encajar mejor, muestra de lo que eran los directos. Vuelve Syd repitiendo Arnold Layne casi como un mantra, y acaba pidiéndole: "no lo hagas de nuevo".
Imagen del vídeo promocional de Arnold Layne.
Fuente: themortonreport.com
La emisora pirata Radio Londres dijo de ella que era demasiado alejada de la sociedad normal y la censuró. Poco después la BBC también prohibió su emisión. En una entrevista de aquellos días le preguntaron: "Syd, ¿por qué escribiste una canción tan sucia, obscena, inmoral y degradante como Arnold Layne?". Syd parpadeó sin comprender: "Bueno, yo sólo escribí lo que pensaba. Arnold Layne era un nombre bonito, y se adaptó muy bien en la música que había compuesto". Una respuesta con todo el sentido común hacia un interlocutor con nada de respeto. Por lo menos hemos avanzado en tolerancia.
A finales de febrero de 1967 se grabó en la playa de East Wittering, West Sussex una película de promoción para ser emitida en Top of the Pops de la BBC el 3 de abril, pero no salió al caerse la canción de las listas. En él los cuatro vestían y desvestían, armaban y desarmaban un maniquí.
Se grabó otro videoclip para el programa de TV francesa Bouton Rouge en la iglesia de St Michael en Highgate, cerca de la isla de Wight, el 29 de abril, en los días que comenzó el deterioro mental de Syd Barrett. Primero en un bosque, junto a una laguna y delante de la iglesia. Los dos vídeos están grabados con estética psicodélica, con imágenes grabadas al revés y con poses alocadas y divertidas.
Arnold Layne no se incluyó en el LP The piper at the gates of dawn, que se lanzó el 5 de agosto de 1967, aunque sí en la edición especial del cuarenta aniversario y en varios recopilatorios, siendo Relics de 1971 donde apareció por vez primera. En esos días cuando Pink Floyd grababa "The piper ..." en el estudio 3 de Abbey Road de EMI, The Beatles daban forma a su obra maestra "Sargeant Pepper´s" en el estudio 2, coincidiendo en los días y en las horas de las largas sesiones de grabación, siendooficialmente presentados el 21 de marzo, en la sesión en que The Beatles grabaron Lovely Rita y Getting Better. Lennon y McCartney ya les habían visto en la sala Roundhouse a finales de 1966. Este primer LP de Pink Floyd fue producido por Norman Smith, y llegó al número 6 de las listas británicas. El título lo tomó Barrett del capítulo séptimo del cuento The Wind in the Willows -El viento en los sauces- de Kenneth Grahame.
Portada del LP The piper at the gates of dawn.
Fuente: pinkfloydarchives.com
Durante 1967 la conducta de Syd se fue haciendo incomprensible para el grupo, se quedaba ido con la mirada perdida; en medio de un concierto, se estancó en un mismo acorde durante todas las canciones. La gira por Estados Unidos colmó la paciencia del grupo. En diciembre de 1967 el grupo cansado de esta situación ficha otro guitarrista, un antiguo amigo del instituto del propio Barrett llamado David Gilmour. Siguiendo el ejemplo de Brian Wilson en los Beach Boys, durante tres meses intentaron mantener a Syd en el grupo como compositor, fuera de los escenarios, pero la situación era insostenible. En marzo de 1968, queda fuera del grupo.
Su historia es la de un joven brillante que se desvaneció en el peligroso mundo de las drogas. Como Brian Jones de los Rollling Stones, habían definido una década en la música, pero ambos se perdieron en el camino. Syd voló demasiado lejos; tanto voló que nunca más aterrizó. ¿Le utilizaría Paul McCartney para crear su loco en la colina? Por las fechas bien podría ser y por los lugares también. Sin embargo, hay un debate abierto sobre si fue el uso de las drogas lo que le trastornó o simplemente sacó a la superficie su "locura". ¿Sufría esquizofrenia o padecía el síndrome de Asperger? En la página Incorrectpleasures se decantan por la sinestesia. Y en www.schizophrenia.com le consideran esquizofrénico. Sea como sea sus antiguos compañeros quedaron muy afectados y el recuerdo del compañero quedó reflejado en Wish you were here, canción y LP, en The Wall, y canciones como Brain damage o Shine On You Crazy Diamond. El mismo dijo: "La mente no tiene limites, pero sí cansancio."
"¿Qué es la razón? La locura de todos. ¿Qué es la locura? La razón de uno." Giuseppe Rensi.
Syd Barrett, el flautista a las puertas del amanecer. Fuente: box3.net
Las grabaciones disponibles de los conciertos con Syd, no son muchas, ni de buena calidad, caso de la actuación en el Star Club de Copenague.
El 27 de mayo de 2006 Gilmour y Wright la interpretaron en el programa de Jools Holland. David Gilmour la incluyó en mayo de 2006 en el Royal Albert Hall, en su gira en solitario de On an island, de la que hizo dos versiones, una cantada por Richard Wright, el 31 de mayo y otra por David Bowie el 29 de mayo, que aparecen en el DVD Remember that night.
Pink Floyd se juntó el 10 de mayo de 2007, con la ausencia de Roger Waters, en un concierto homenaje a Barrett muerto el 7 de julio del año anterior, titulado The Madcap's Last Laugh, en el Barbican de Londres. Wright, segunda voz en el original, fue el solista en lo que sería su última actuación vocal, pues también moriría al año siguiente. El 6 de septiembre de 2007 Wright hizo su última actuación con Gilmour en la gira de este último en la premier de la gira de Remember that night en Leicester Square Odeon con David Bowie como cantante invitado.
Arnold Layne (Syd Barrett)
Músicos:
Syd Barrett: guitarra y voz solista.
Roger Waters: bajo.
Richard Wright: órgano y coros.
Nick Mason: batería y percusión.
Letras en inglés
Arnold Layne had a strange hobby
Collecting clothes
Moonshine, washing line - they suit him fine!
On the wall hung a tall mirror
Distorted view, see through baby blue - he dug it!
Oh, Arnold Layne, it's not the same
Takes two to know, two to know
Two to know, two to know
Why can't you see?!
Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!
Now he's caught - a nasty sort of person
They gave him time
Doors bang, chain gang - he hated it!
Oh, Arnold Layne, it's not the same
Takes two to know, two to know
Two to know, two to know
Why can't you see?!
Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!
don't do it again
Letras en español
Arnold Layne tenía una extraña afición
colecciona ropa,
a la luz de la luna, del tendedero -le sientan bien!
En la pared colgaba un espejo alto
visión distorsionada, ve a través del azul celeste -le chiflaba.
oh, Arnold Layne, no es lo mismo,
se necesitan dos para saberlo, dos para saberlo,
dos para saberlo, dos para saberlo.
¿No te das cuenta?
¡Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!
Ahora le han atrapado -un tipo de persona asquerosa
Le dieron tiempo
portazos - prisioneros encadenados- él lo odia,
oh, Arnold Layne, no es lo mismo,
se necesitan dos para saberlo, dos para saberlo,
dos para saberlo, dos para saberlo.
¿No te das cuenta?
¡Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!
No lo vuelvas a hacer. ~~~~~~ ¿Lo volvería a hacer?
Deep Purple, formación Mark II: de izquierda a derecha, Jon Lord, Ian Paice, Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Roger Glover. Fuente: progarchives.com
Deep Purple es uno de los grandes del rock. A diferencia del otro grupo de referencia del hard rock, Led Zeppelin, sus inicios no fueron directamente encaminados a ese estilo. Su gustos en los tres primeros álbumes se movieron por la psicodelia, el blues, el rock progresivo y sinfónico. El grupo se formó en 1967 y esos primeros álbumes salieron en 1968 y 1969 cuando estos géneros estaban en auge o se empezaban a imponer. La formación musical clásica del teclista Jon Lord y del guitarrista Ritchie Blackmore, junto al espíritu innovador en la búsqueda de un estilo propio, fueron las razones de esta variedad.
Portada LP Machine Head 1972.
Fuente: allmusic.com
Contraportada LP Machine Head 1972.
Fuente: allmusic.com
En 1969 Lord, Blackmore y el batería Ian Paice reforman el grupo incorporando a Ian Gillan, en la voz, y Roger Glover, en el bajo, que sustituyen a Rod Evans y Nick Simper. Esta formación será bautizada como Mark II, la considerada más clásica, y permanecerá hasta 1973 y tras la refundación del grupo en 1984 hasta 1989 y, de nuevo, entre 1992 y 1993. Su primer disco Deep Purple In Rock (1970) les mete de llenó en el hard rock, con clásicos como Child in Time o Speed King. Led Zeppelin les había mostrado un camino nuevo, riffs guitarreros, potencia en la sección rítmica y agudos vocales, pero Deep Purple le otorgaba con los teclados de Lord una seña de identidad propia creando un sonido que nunca fue tan oscuro como el de Black Sabbath, ni con tanto aire blues como el de Led Zeppelin, grupos con los que formó la llamada Trinidad del Hard Rock. Tras Fireball en 1971, sacan Machine Head, con siete canciones, todas imprescindibles, algunas serán habituales en los conciertos, caso de Highway Star, Smoke on the water o Lazy, pero otras quedarán olvidadas por el grupo y hoy desconocidas para la mayoría, como la tratada aquí, Pictures of home.
El Casino de Montreux incendiándose.
Fuente: deep-purple.am
El 4 de diciembre en el Casino de Montreux (Suiza), junto al Lago Ginebra, Frank Zappa daba un concierto cuando un fan debió pensar que había poca luz y lanzó una bengala. Se ve que donde había pocas luces era en su cabeza, porque el incendio destruyó el edificio y todo el equipo de Zappa. Deep Purple, que salvó su material de milagro, debía empezar a grabar allí por lo que debieron buscar otro lugar, primero en el teatro Pavilion, donde de los hechos nació el himno rock Smoke on the water, -Humo en agua-, que describe el momento y tiene el riff de guitarra más famoso de la historia, pero eso no hoy no toca. Los vecinos protestaron y el resto del disco se completó en el Gran Hotel, que en invierno estaba vacío. Machine Head se grabó al final entre el 6 y el 21 de diciembre de 1971 usando el estudio móvil de los Rolling Stones. Se publicó el 10 de marzo de 1972, bajo el sello EMI/Purple en el Reino Unido y Warner en Estados Unidos con el propio grupo como productor. El LP fue un absoluto éxito, número 1 en el Reino Unido y 7 en Estados Unidos. La mejor formación de Deep Purple en su mejor momento, por eso Machine Head es considerado su mejor disco, y también uno de los más destacados del rock. El título del disco se refiere al clavijero del bajo de Glover, la "cabeza de la máquina", que aparece en la contraportada. El éxito fue tal que le siguió una gira durante todo el año, de la cual salió el directo Made in Japan. En esta página puedes encontrar en inglés con detalle la grabación del LP.
Pictures of home -Fotografías de casa- está firmada por todos los miembros del Mark II: Gillan, Blackmore, Glover, Lord y Paice. A pesar de ser la canción del LP favorita de Jon Lord, parece ser que no le gustaba a Ritchie Blackmore, por lo que fue la única canción del disco que no se utilizó en la gira de 1972. Este es el motivo que la ha hecho pasar desapercibida. A partir de 1994, con la salida del guitarrista original y la incorporación de Steve Morse, la canción se volvió a incluir en los directos, siendo la que iniciaba los conciertos en 2006 y 2007 en el tour de Rapture of the Deep, su último disco, lo que muestra que el grupo quiso devolverle la importancia que se merecía.
El grupo en Montreux. Fuente: montreuxmusic.com
Comienza con la batería a un ritmo vertiginoso que se mantendrá toda la canción; la guitarra toma la iniciativa sonando por vez primera la melodía principal del tema, seguido Gillan desgrana los versos de la primera estrofa, (cada una de las tres acaban en el estribillo "I'm alone here") con el órgano apoyándole y la batería y bajo marcando ese paso acelerado; luego, se suceden brevemente Lord y Blackmore, éste repite el punteo del comienzo que da paso a la segunda estrofa, tras ella 45 segundos de magistral destreza en el primer solo de guitarra, que es seguido de la tercera estrofa. Los dos últimos minutos son instrumentales con varios solos, uno tras otro, primero el órgano Hammond de Lord, luego es el turno del bajo de Glover; otra vez Blackmore repite la melodía principal y la canción parece terminar. No es así, otro redoble de Paice le abre el camino al segundo solo de guitarra con el órgano respondiendo, y la canción se desvanece en ese diálogo. Pictures of home es una canción que creará escuela en los años '80 cuando la música heavy se imponga con grupos como Iron Maiden.
El autor utiliza el paisaje que les rodeaba como símil sobre el encierro que vivieron, mientras grababan el disco, rodeados de las altas montañas en Montreux. El cantante está desconsolado, añorando a la familia, suspirando con las fotografías de casa. El eco de las montañas es ejemplo de soledad, es él quien se responde. Pero parece haber algo más, la soledad que siente va más allá de ese momento, ¿cuál es la prisión? el frío invierno de Montreux o su propio grupo. Está rodeado de nieve, pero es la enemistad la que enfría su cuerpo. Ian Gillan parece anunciar su salida del grupo que ocurriría en 1973 debido a la mala relación con Blackmore (¿será éste el cuervo de patas negras?).
Jon Lord y su órgano Hammond B-3. Fuente: musimales.com
El 16 de julio de 2012 murió Jon Lord, fundador y miembro del grupo hasta 2002. Sin Jon Lord no hubiera existido Deep Purple", este comentario hecho por Blackmore indica lo que supuso el teclista para el grupo. Desde sus inicios el sonido del grupo incluía el órgano Hammond B-3 de Lord, una de las marcas definitivas del grupo. Fusionó el rock y la música clásica, llevando los límites del rock un poco más lejos, como en Concerto para grupo y orquesta y su Gemini Suite. Escuchemos este rock como homenaje a uno de los músicos clásicos del rock.
Pictures of home
(Gillan, Blackmore, Glover, Lord, Paice)
Instrumentación:
Ian Gillan - voz
Ritchie Blackmore - guitarra
Roger Glover - bajo
Jon Lord - teclados
Ian Paice - batería
Machine Head se remasterizó en 1997 en el 25 aniversario del disco. Esta versión es ligeramente más larga, con el sólo más prolongado en la parte final que acaba sin el fade out del publicado en 1972. En directo se interpretó por vez primera por la formación Mark VI con el guitarrista Joe Satriani. Steve Morse sustituyó en 1994 al anterior resultando Mark VII. De esta tenemos, por ejemplo, el directo en Melbourne el 20 de abril de 1999. En el año 2000 el grupo vió cumplida una vieja idea, tocar sus canciones con el apoyo de una orquesta, como en esta ocasión junto a la London Symphony Orchestra.
En 2002 Lord dejó el grupo y entró por él Don Airey creándose la alineación Mark VIII, que hoy continúa. En el LP Live at Montreux 2006, esta canción abre el concierto.
Paul McCartney es el músico del siglo XX. Junto a John Lennon creó la parte más importante de una banda sonora que nos acompaña desde 1962; Hey Jude, Yesterday, Let it be, Eleanor Rigby, Here, there and everywhere tienen su firma. En solitario o con su grupo Wings mantuvo y mantiene la magia beatle; My love, Mull of Kyntire, Band on the run, Ebony and Ivory son prueba de ello. En 1983 Paul McCartney publica el disco Pipes of peace, (Pipas de la paz), que le mantiene en lo alto de las listas de éxitos. Tras la disolución de Wings, McCartney II (1980) y Tug of War (1982) habían mostrado al mundo un McCartney con un sonido renovado adaptándose a la nueva década. La muerte de John Lennon el 8 de diciembre de 1980 provocará en Paul un recelo a las apariciones públicas. Desde que en 1979 acaba la última gira con Wings y hasta 1989 con la vuelta al directo sus singles y LP´s serán el único contacto de McCartney con sus seguidores.
Por ese motivo esta canción no ha sido interpretada en directo. Cuando volvió a hacer giras, entonces debía promocionar otros discos, y también debido a la impresionante cantidad de canciones que este artista ha grabado, cerca de mil, lo que da mucho donde elegir en cada nuevo concierto.
Portada y contraportada de Pipes of peace. megatorrents.org
Pipes of peace es la continuación de Tug of war. Las sesiones de preparación de este último disco se prolongaron más de un año, por lo que el número de canciones excedían la duración de un Lp. Los paralelismos debido a esto son evidentes: desde los títulos enfrentando la palabras guerra y paz, incluyendo una canción titulada Tug of peace, la colaboración con Stevie Wonder en uno y con Michael Jackson en el otro, la etapa beatle en Here Today por Lennon y la colaboración de Ringo, y en ambos discos la producción con George Martin, el gran productor de The Beatles. El sello discográfico de McCartney seguía siendo también Parlophone/EMI.
Paul y George mezclando. Fuente maccafan.net
Pipes of peace salió el 31 de octubre de 1983, y tuvo un éxito relativo al llegar al puesto 15 en Estados Unidos y al 4 en Gran Bretaña, y no alcanzó las ventas del imprescindible Tug of war, que fue nº 1 en casi todo el mundo. Adelantado a LP Pipes of peace, el primer single fue Say, Say, Say, un dúo con Michael Jackson, que fue número uno en Reino Unido. El segundo, la canción titulada como el LP, y con la que abría éste, se lanzó el 5 de diciembre de 1983 y alcanzó el número 1 en Gran Bretaña el 14 de enero de 1984, manteniéndose ahí dos semanas. So Bad era la cara B, intercambiando las caras para Estados Unidos, donde fue distribuida por Columbia. Pipes of peace fue una de las canciones compuestas en 1981 durante las sesiones de Tug of war, grabada entre septiembre y octubre de 1982 en su granja de Sussex. Aquí podemos ver en la sala de grabación a Paul McCartney con George Martin.
Single Pipes of peace.
Fuente: discogs.com
Pipes Of Peace fue nominada para el premio Ivor Novello a la mejor canción, pero perdió ante Every Breath You Take de The Police; sin embargo, el vídeo ganó el Brit, el premio de la música británica al mejor vídeo. Su mujer Linda sacó la foto de la portada donde Paul se halla rodeado de varios tipos de pipas o flautas musicales y de Pipas de la Paz de los indios americanos. McCartney hace un juego de palabras usando las Pipas de la Paz como un instrumento musical que hay enseñar a tocar primero a los niños que nacen cada día, a él mismo, y a todos, para que llegue la PAZ.
El tema sobre el que trata es la Tregua de Navidad, un hecho que ocurrió el 24 de diciembre de 1914, en la I Guerra Mundial, entre las tropas inglesas y alemanas. McCartney eligió la reserva nacional de Chobham Common en Surrey para el vídeo promocional, dirigido por Hugh Symonds. En la película, Paul, como hizo Lennon en How I won the war para interpretar al soldado Gripweed, se corta la melena. Tiene un doble papel, un soldado inglés y otro alemán, ambos frente a frente en la guerra de trincheras.
Imagen del vídeo de Pipes of peace. Fuente: maccafan.net
La canción empieza con sonidos de sintetizadores simulando el sonido de la guerra, para dar paso la introducción con la voz de Macca, que pocas veces ha sonado tan cálido como en estas cuatro líneas, solo acompañado por el piano, expresando el mensaje principal del tema, la línea "In love our problems disappear" ("En el amor nuestros problemas desaparecen") tomada del poeta indio Rabindranath Tagore Premio Nobel en 1913. La frase original se incluye en el interior del LP: "In love all of life's contradictions dissolve and disappear" ("En el amor todas las contradicciones de la vida se disuelven y desaparecen"). Es cuando el soldado alemán y el inglés reciben carta de su familia.
Imagen del vídeo de Pipes of peace.
Fuente: article.wn.com
Cambia el ritmo, a la voz y el piano se incorporan el bajo y la batería, con los coros respondiendo al solista. Llega el intermedio donde suenan las pipas -flautas- de la paz y los soldados abandonan las trincheras. Portando banderas blancas, avanzan por la tierra de nadie. La canción tiene ahora un aire positivo, es el momento cuando unos y otros se van a encontrar, y la batería va marcando el paso de los soldados que no desfilan agachados, temerosos, como enemigos, sino de pie, sin miedo a encontrarse con sus iguales, sus hermanos. Y estalla la Paz. La tierra de ningún hombre es por un momento la tierra de todos los hombres. En el momento que escuchamos la maravilloso sonido de la tabla india hacia los 2'20" los protagonistas se saludan, se preguntan por el futuro del planeta, e intercambian las fotos recibidas, mientras sus compañeros confraternizan e incluso juegan un partido de fútbol. De repente un misil cae y todos corren a sus posiciones. Al final se repiten los primeros versos, y en la sonrisa del soldado inglés se adivina, mientras guarda la foto de la familia de su "enemigo" junto a su corazón, que hay esperanza en un mundo mejor.
¿Qué opinas?
¿Desaparecerá la raza humana un día?
¿O salvará alguien a este planeta en que estamos?
Probemos esto:
Ayúdales a ver
Que la gente aquí son como tú y yo
Pipes of peace (Paul McCartney)
Instrumentación
Paul McCartney: voz, piano, sintetizador y bajo
Eric Stewart: guitarra
Steve Gadd: batería y percusión
James Kippen: tabla india
Pestalozzi Children's Choir: coros
Si quieres la canción con las letras originales tienes este otro vídeo con fotos de esa etapa, en vez del videoclip promocional.
Tregua de Navidad. Fuente: stateofthegame.co.uk
Los hechos, según contó Frank Richards, un soldado inglés, en su libro Old Soldiers Never Die, (Los viejos soldados nunca mueren), fueron del siguiente modo. En la Nochebuena de 1914, en Ypres, Bélgica, en el frente occidental los ingleses vieron como sus enemigos alemanes encendían velas sobre las bayonetas, lo que les hacía blancos fáciles. Los ingleses no quisieron aprovechar la ocasión para atacar. Los alemanes empezaron a cantar "Stille Nacht! Heilige Nacht!" que los ingleses reconocieron como Noche de Paz, cantándola asímismo en inglés. Uno tras otro los soldados salieron a la tierra de nadie y comenzaron el intercambio de comida a modo de regalo, se mostraron fotos de familia, jugaron al fútbol y enterraron conjuntamente a los muertos de ambos bandos, mientras los oficiales eran incapaces de frenar los deseos de paz. En la mañana del día 26 el capitán Stockwell, de los Reales Fusileros de Gales, hizo tres disparos al aire, y el oficial alemán con el que éste había intercambiado regalos hizo dos. Era la señal acordada para volver a la guerra. Sobre ello se filmaron dos películas: "Oh! What a lovely war", (Oh! Qué guerra tan encantadora), de Richard Attenborough en 1969 y la premiada película francesa "Joyeux Noël", (Feliz Navidad) en 2005 de Christian Carion.
La Navidad en las trincheras. Fuente: remembrancetrails-northernfrance.com
El vídeo de Pipes of peace nos recuerda libros y películas que muestran la necedad de la guerra. Uno es "Sin novedad en el frente", novela del alemán Erich Maria Remarque, publicado en 1926, que cuenta la I Guerra Mundial desde el punto de vista de un joven soldado alemán; fue llevada al cine. El británico Robert Graves escribió "Goodbye to all that", ("Adiós a todo eso"), donde el autor nos narra el mundo de las trincheras que él vivió. En la entrada de Harold Land de este blog, ya hice mención a este libro. Una película que ver es Senderos de Gloria, película de Stanley Kubrick de 1957, con Kirk Douglas de protagonista, basada en la novela del mismo título de Humphrey Cobb, publicada en 1935, donde tras el fracaso de un ataque el general francés responsable elige al azar a tres soldados para juzgarlos por cobardía, enfrentados a la pena de muerte.
Las autoridades sanitarias advierten que fumar mata.
Las autoridades militares te recuerdan que tu deber es matar o morir.
Fuente de la foto, (no del texto): forum.santabanta.com
El enemigo.
Fuente: sergebloch.net
Tal vez el vídeo de Paul McCartney haya servido de punto de partida para El enemigo: un libro sobre la paz, escrito por Davide Cali e ilustrado por Serge Bloch, publicado en 2009, que nos habla de dos soldados solitarios cada uno en su trinchera. Uno de ellos piensa, como pone en su manual, que su enemigo es una bestia cruel, sin piedad, que mata niños y mujeres, que no tiene nada que ver con él. Cuando va a la trinchera del enemigo descubre que es una persona como él, con familia y amigos, y con un manual como el suyo, pero con una diferencia, aquí el enemigo tiene su cara.
Michael Prysner, un veterano del ejército de Estados Unidos debió sentirse igual. Y dijo: Adiós a todo eso.
,
Letras originales
I light a candle to our love,
In love our problems disappear.
But all in all we soon discover
That one and one is all we long to hear.
All ’round the world,
Little children being born to the world.
Got to give them all we can ’til the war is won,
Then will the work be done.
Help them to learn (help them to learn)
Songs of joy instead of burn, baby, burn.
Let us show them how to play
The pipes of peace,
Play the pipes of peace.
Ooh-ooh-ooh-ooh,
Ooh-ooh-ooh.
Help me to learn
Songs of joy instead of burn, baby, burn,
Won’t you show me to play (how to play)
The pipes of peace, (pipes of peace)
Play the pipes of peace
Ooh-ooh-ooh-ooh.
What do you say? (what do you say?)
Will the human race be run in a day? (in a day?)
Or will someone save this planet we’re playing on?
Is it the only one?
What are we gonna do?
Help them to see (help them to see)
That the people here are like you and me. (like you and me)
Let us show them how to play (how to play)
The pipes of peace, (pipes of peace)
Play the pipes of peace.
Ooh-ooh-ooh-ooh.
I light a candle to our love,
In love our problems disappear.
But all in all we soon discover
That one and one is all we long to hear.
....................
Traducción
Enciendo una vela por nuestro amor
Enamorados nuestros problemas desaparecen
Pero en definitiva, pronto descubrimos
Que uno y otro es lo único que queremos oír
Alrededor del mundo
pequeños niños nacen en el mundo
Tenemos que darles todo lo que podamos
Hasta que la guerra esté ganada
Entonces el trabajo estará hecho
Ayúdales a aprender (ayúdales a aprender)
Canciones de alegría en vez de quémalo, niño quémalo (quémalo, niño quemalo)
Déjanos enseñarles como tocar
las Pipas de la paz
Toca las pipas de la paz
Ayúdame a aprender
Canciones de alegría en vez de quémalo, niño quémalo (quémalo, niño quemalo)
