ELP: Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer. Fuente: peluchinga.org
En 1969 King Crimson y Nice habían coincidido en la cartelera de varios conciertos. Su propuesta musical tenía mucho en común, eran los inicios del rock sinfónico, la unión del rock con los formatos y la inspiración de los clásicos. Ambos grupos fueron invitados por el promotor Bill Graham para tocar durante cuatro días entre el 11 y el 14 de diciembre en el Fillmore West de San Francisco. Greg Lake, voz y bajo de King Crimson, y Keith Emerson, teclista de Nice, se habían hecho amigos durante los anteriores encuentros y se pusieron a ensayar pensado en su propio grupo con una estructura nunca vista en el rock: teclados, bajo y batería. Como batería buscaron a un prometedor joven de 19 años llamado Carl Palmer. No necesitaban a nadie más, incluso el productor sería el mismo Lake. La falta de un guitarra otorgaba a los teclados prevalencia, pero no querían líderes, y para evitar la confusión decidieron usar el democrático nombre de Emerson, Lake and Palmer o ELP, por orden alfabético. Sin embargo, el talento de Emerson lo hizo sobresalir, convirtiéndolo en una estrella del rock. El desarrollo de los sintetizadores en el arranque de la década con Keith como mejor exponente y el concepto de espectáculo visual del grupo los convirtió en el no va más. Fueron admirados y criticados; en todo caso, crearon obras extraordinarias que elevaron al rock a una de sus cimas.
Logo de ELP. Fuente: razorandtiepublicity.com
Antes de publicar su álbum de debut, actuaron en el Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970, ante 300.000 personas, provocando la admiración del público. El primer LP recibió el del grupo. Grabado entre julio y septiembre de 1970 en los Estudios Advision de Londres, se publicó en noviembre en el Reino Unido por Island Records, donde subió al cuarto puesto, y el 1 de enero de 1971 en Estados Unidos por Cotillón-Atlantic, donde llegó al número 18 en las listas de Billboard. La portada se debe al artista británico Nic Dartnell. La cabeza del dibujo es la de Ed Cassidy, batería del grupo californiano Spirit, pero a ELP les gustó y se la quedaron.
Portada del LP Emerson, Lake and Palmer
Es cierto que en varios temas los tres músicos aún no funcionan como un todo, pero este individualismo en cierta medida se mantuvo en todos los discos, porque la destreza instrumental formaba parte de la propia esencia del grupo y más aún en los directos. El LP nos enseña las líneas comunes de su carrera, una mezcla de sonidos clásicos (reinterpretan a Bach, Janacek y Bela Bartok), jazz, rock y ... folk, pues terminan el disco con una balada acústica compuesta enteramente por Lake: Lucky Man. Es una concesión a las emisoras, con un estribillo fácil de recordar. Esta misma fórmula se repetirá en cada LP, con From the Beginning, Still...You Turn Me On y C'est La Vie, por citar algunos. Era el contrapunto al sonido majestuoso de los teclados, la calma tras la tempestad y, en cierto sentido, un señuelo para el gran público al ser comercializados como singles, caso de Lucky Man. Sin embargo, las buenas ventas de los LP´s no se reflejó en los singles, puesto que el único que tuvo un puesto alto fue Fanfare to the common man, dos en el Reino Unido. Lucky Man entró en las listas de Billboard 100, pero sólo llegó al 48. Knife-Edge fue la cara B.
Portada del single Lucky Man. Fuente: wikipedia.org
La letra, sencilla e ingenua, describe irónicamente a un hombre afortunado que lo tiene todo en la vida, -caballos blancos, mujeres,- pero, buscando el honor y la gloria, decide ir a la guerra a luchar por su rey y su patria; allí una bala le encuentra y le mata. Su simpleza se explica mejor porque fue la primera composición de Lake, su autor, con 12 años, tras recibir su primera guitarra de su madre. Aunque creada en 1959, se publicó en plena Guerra de Vietnam, cobrando entonces mayor sentido como otras antimilitaristas de ese tiempo. Suena deliberadamente antigua porque Greg Lake quiso parecer un juglar medieval. Durante años se ha dicho que fue incluida en el LP en el último día de grabación en septiembre de 1970, porque la compañía les obligaba a llegar a los 21 minutos por cara. Mientras la notas de las sesiones de grabación contradicen esto, al decir que se grabó al principio de las sesiones hacia el mes de julio, Lake en su web oficial greglake.com relata en un audio que la usaron para completar el álbum.
Su estructura es también simple, dominada por la guitarra acústica, con cuatro estrofas de cuatro versos, con un solo de guitarra eléctrica distorsionada, muy poco habitual en la banda, entre la segunda y tercera. El estribillo vuelve constante reforzado por las voces dobladas, recordando qué hombre tan afortunado era, para acentuar el contraste con el desenlace. El ritmo sincopado de la batería, que recorre todo el tema, es la parte menos llamativa, pero totalmente efectiva. Acaba con un sólo de órgano Moog, que supuso una revolución en su tiempo.
Greg Lake
Aunque el bajo quiso incluirla a Emerson le parecía demasiado folk, alejada de lo que el grupo pretendía. Palmer le convenció para aportar algo. Aquel, sin saber que le estaban grabando, hizo una toma improvisada, casi sin dar importancia, enterándose después de que había sido incluida en la edición final. Emerson cuenta: "¡Todo el mundo me preguntaba por el solo maldito... Ya he tenido suficiente!". Sin embargo, Robert Moog, el inventor de este primer sintetizador, entusiasmado, citó esta pieza como una de las más representativas de las posibilidades de su invento. Este sorprendente final sugería que ELP no era un grupo más, eran progresivos. Sabiendo las reticencias de Keith y para evitar tensiones con Greg, el mánager se mantuvo en silencio, ¡y se enteraron por la radio que Lucky Man era su primer single!
El vídeo anterior es el estéreo remasterizado de 2012, pero al incluir las letras originales lo sitúo aquí. Para ver la diferencia con el disco de 1970 tenemos este otro vídeo creado por David (vzqk50HD), con una recreación medieval.
ELP en concierto. Fuente: lastfm.es
¿Cómo podían llevar la canción a los conciertos? Imposible. Lake tocaba en ella bajo, guitarra eléctrica y acústica, voz principal y coros, y no querían que nadie tocara en sus discos, ni en sus conciertos. Decidieron que únicamente saliera Lake con la guitarra acústica. Un ejemplo es el concierto en California Jam el 6 de abril de 1974, insertado abajo. Según el teclista, la gente se sentía decepcionada porque querían oír la versión de estudio.
Años más tarde, ya en los '90, en diferentes reuniones, como en 1992 en el Royal Albert Hall, el grupo recreó la canción en estudio y Emerson se encontró con la circunstancia de que no tenía escrita su intervención, por lo que tuvo que pedírsela a la Revista Keyboard que la había transcrito. Otro ejemplo es este concierto en Montreux el 7 de julio de 1997.
El 25 de julio de 2010 se juntaron una vez más para un único concierto en el Parque Victoria de Londres celebrando su 40 aniversario.
En 2012 Steven Wilson del grupo Porcupine Tree trabajó con las cintas originales, remasterizó el disco, hizo nuevas mezclas en estéreo y rescató la primera demo de Lucky Man, descubriéndonos el encanto natural de esta melodía cantada como si se tratara de un juglar: solo un hombre y su guitarra.
Lucky Man (música y letra de Greg Lake)
Músicos:
Keith Emerson: sintetizador
Greg Lake: guitarra acústica, bajo, guitarra eléctrica, coros y voz
Scorpions hoy día. de izquierda a derecha: Matthias Jabs (Guitarra solista), Pawel Maciwoda (Bajo), Klaus Meine (Voz), James Kottak (batería) y Rudolf Schenker (Guitarra rítmica). Fuente: q945therock.com
La aventura musical de Scorpions se remonta a 1965 en la alemana Hannover, de la mano de un guitarrista de 17 años llamado Rudolf Schenker. En los primeros años de formación hacían música beat y después se interesaron por el blues rock de Cream o Jimi Hendrix. El primer LP no llegaría hasta 1972 Lonesome crow, un disco de rock psicodélico y hard rock. En la banda está el hermano de Rudolf, Michael, también guitarra, y Klaus Meine, el primero luego marchará a UFO, pero el segundo será el voz del grupo hasta hoy día y una de las señas de identidad de la banda. Uli Jon Roth sustituye a Michael; en esos años el sonido bascula entre el hard rock y el heavy metal. En 1979 Roth se va y fichan a Matthias Jabs, que dotará a Scorpions de mayor versatilidad, un espectro musical más amplio que va del heavy a las power ballad. Será el guitarra solista, aunque Schenker tocará con su Gibson Flying V los solos de un buen puñado de canciones fundamentales de la banda. Jabs se mantendrá fijo hasta la actualidad. Es la etapa de reconocimiento del grupo, de los singles más conocidos, de las mayores ventas, sobre todo a mediados de los 80 con canciones como Still loving you o Rock you like a hurricane. Las baladas les harán llegar a un público diferente, algunos puristas reniegan de estas canciones, pero Scorpions es lo que es y hacen lo que hacen, a alto y a bajo volumen. En todo caso, Scorpions ha hecho de las power-ballads un sello de identidad.
Portada del LP Crazy world.
Fuente: maxcaratulas.net
El 6 de noviembre de 1990 publican con Mercury Records su undécimo álbum titulado Crazy World y producido por el propio grupo y Keith Olsen. De él extraen cinco singles, el primero Tease Me Please Me, pero es con el tercero Wind of change por el que el LP llegará a ser el más vendido en Alemania y número 21 en la Billboard estadounidense. También contiene otra de sus grandes baladas Send me an angel.
Portada del single Wind of change. Fuente: whosdatedwho.com
Wind of change fue escrita por el vocalista Klaus Meine. Se lanzó en marzo de 1991 y desde su publicación fue un éxito arrollador, número uno en 11 países, cuatro en Estados Unidos y dos en el Reino Unido. Hoy es la canción más vendida por un artista alemán. Nos habla del fin de la guerra fría, de la caída del telón de acero, provocada por la valiente política del último líder de la Unión Soviética, Mikhail Gorbachev, que promovió la Glasnost apertura, trasparencia y la Perestroika reestructuración. Mientras se publica el disco Rusia, Bielorrusia y Ucrania se separan de hecho, aunque no sería hasta el 25 de diciembre de 1991 cuando la Unión Soviética desaparecería oficialmente y constituyéndose la Comunidad de Estados Independientes.
Soldado de la RDA escapando.
Fuente: berlin.pinkbigmac.com
La canción también se utilizó como símbolo de la caída del vergonzoso Muro de Berlín, una espina clavada en el corazón de Europa que separó en dos la capital alemana desde el 13 de agosto de 1961 hasta el 9 de noviembre de 1989. Según los dirigentes de la Alemania comunista se levantó para "proteger" a los suyos de la Alemania capitalista. ¡Qué cosas!
En 1988 la gira mundial del disco Savage Amusement empieza el 17 de abril en Leningrado, donde darán una serie de 10 conciertos en diez días. Así Scorpions se convierte en el primer grupo de heavy rock en tocar en la Unión Soviética. La gira termina al año siguientede nuevo en Rusia, pero ahora en la capital, Moscú, en el llamado Moscow Music Peace Festival. El segundo día del festival, el 13 de agosto, actúan ante 100.000 personas. De la experiencia de aquel concierto nació Wind of change. Rudolf Schenker la definió como "una especie de mensaje de banda sonora a la revolución más pacífica del mundo en la tierra." El vocalista Klaus Meine en una entrevista a New Musical Express lo explicó así: "Todo el mundo estaba allí: el Ejército Rojo, los periodistas, los músicos de Alemania, de Estados Unidos, de Rusia, el mundo entero en un barco, era como una visión, todo el mundo hablaba el mismo idioma. Era un ambiente muy positivo. Esa noche fue la inspiración básica para Wind Of Change."
El grupo en Moscú en agosto de 1989.
Fuente: lastfm.es
Cartel del Moscow Music Peace
Festival. Fuente:united-metal.ru
Comienza con la guitarra limpia de Jabbs y con Maine silbando la melodía, después describe la escena de aquella mágica noche verano de 1989. Con el estribillo "Take me..." entran la batería y el bajo. Las guitarras y la voz doblada de Meine haciendo coros dan a la canción mayor fuerza. El emotivo solo de guitarra de Schenker llega tras animar al pueblo ruso a expresarse: "Deja que tu balalaika cante lo que mi guitarra quiere decir". Se cierra con Meine silbando otra vez el tema central. Es un canto a la hermandad de los pueblos, de esperanza ante la libertad que llegaba por fin a la Europa del Este.
Parecía obligado que hicieran una versión en ruso, llamada Veter peremen (Ветер Перемен). También decidieron grabar una versión en español llamada Vientos de cambio. Aquí están las letras de estas versiones del grupo en ruso y español.
Gorbachev y Scorpions en el Kremlin en 1991.
Fuente: the-scorpions.com
El 21 de julio de 1990 tocan en Berlín en la Potsdamer Platz como parte del espectáculo The Wall de Roger Waters para conmemorar la caída del muro.
Ha sido interpretada en innumerables ocasiones, empezando por la propia gira de Crazy World. En 1991 el líder soviético Gorbachev les invita al Kremlin, donde tocan una versión acústica. En la conversación Klaus Meine dijo: "Nuestros padres vinieron aquí con las armas, pero nosotros venimos con guitarras."
En 1999 sirvió para celebrar los diez años de la apertura del muro interpretada junto a la Puerta de Branderburgo con Rostropovich como director de la orquesta. También se incluyó en Moment of Glory, su álbum de 2000 con la Orquesta Filarmónica de Berlín,
Y no podía faltar tampoco en su maravilloso concierto Unplugged Acoustica de febrero de 2001 en el Convento do Beato de Lisboa.
Desde el año 2010 se encuentran en The Final Sting Tour, su gira de despedida que les lleva por el mundo entero y ya van tres años. ¿Será de verdad el último picotazo de los escorpiones? Hoy día siguen a un altísimo nivel a pesar de los años transcurridos. Hicieron un alto en marzo de 2011 en el Royal Albert Hall para cantar en el concierto por el 80 cumpleaños de su amigo Gorbachev.
WIND OF CHANGE (Música y Letra por Klaus Meine)
Músicos
Klaus Meine: voz
Rudolf Schenker: guitarra rítmica y guitarra líder (solo)
Matthias Jabs: guitarra rítmica
Francis Buchholz: bajo
Herman Rarebell: batería
Letras originales
I follow the Moskva
Down to Gorky Park
Listening to the wind of change
An August summer night
Soldiers passing by
Listening to the wind of change
The world is closing in
Did you ever think
That we could be so close, like brothers
The future's in the air
I can feel it everywhere
Blowing with the wind of change
Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow dream away
in the wind of change
Walking down the street
Distant memories
Are buried in the past forever
I follow the Moskva
Down to Gorky Park
Listening to the wind of change
Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow share their dreams
With you and me
Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow dream away
in the wind of change
The wind of change
Blows straight into the face of time
Like a stormwind that will ring the freedom bell
For peace of mind
Let your balalaika sing
What my guitar wants to say
Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow share their dreams
With you and me
Take me to the magic of the moment
On a glory night
Where the children of tomorrow dream away
in the wind of change
Letras traducidas
Sigo el Moskva
Hacia el Parque Gorky
Escuchando el viento de cambio
Una noche de verano en agosto
Soldados que pasan
Escuchando el viento de cambio
El mundo acercándose
Pensaste alguna vez
Que podríamos estar tan juntos, como hermanos
El futuro está en el aire
Puedo sentirlo en todas partes
Soplando con el viento de cambio
Llévame a la magia del momento
En una noche de gloria
Donde los niños del mañana sueñan
Con el viento de cambio
Caminando calle abajo
Recuerdos distantes
Están enterrados para siempre en el pasado
Sigo el Moskva
Hacia el Parque Gorky
Escuchando el viento de cambio
Llévame a la magia del momento
En una noche de gloria
Donde los niños del mañana comparten sus sueños
Contigo y conmigo
Llévame a la magia del momento
En una noche de gloria
Donde los niños del mañana sueñan
Con el viento de cambio
El viento de cambio sopla directo hacia
la cara de tiempo
Como una tormenta que hará sonar
La campana de la libertad para la paz del espíritu
The Animals en 1964. De izquierda a derecha, arriba: Alan Price, Chas Chandler;
abajo, John Steel, Eric Burdon y Hilton Valentine
En febrero de 1964 The Beatles se adueñaron musicalmente de Estados Unidos abriendo así una grieta en el muro inquebrantable que era su mercado por donde entraron otros grupos: era la invasión británica. Tenían en común su procedencia, en la mayoría ingleses conquistando América; aunque su música no era homogénea, unos hacían beat y otros rhythm and blues. Sus nombres The Rolling Stones, The Dave Clark Five, The Animals, The Herman Hermits, The Hollies, Kinks o The Who. Para herir más aún el orgullo estadounidense las fuentes de donde bebían estas bandas extranjeras eran el R&B negro y el Rock & Roll, géneros surgidos en ese país, y que habían sido definidos desde mediados de los '50 por Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard, Jerry Lee Lewis o Buddy Holly, entre muchos otros.
The Animals en concierto. Fuente: lastfm.es
The Animals se había formado en 1962 con Eric Burdon (voz), Alan Price (órgano y teclados), Hilton Valentine (guitarra), John Steel (batería) y Chas Chandler (bajo) en Newcastle. En 1964 se trasladan a Londres, conocen a su productor Mickie Most y fichan por EMI. Versionean clásicos del blues y del rhythm and blues; de hecho su primer LP no contiene ningún material del grupo. En marzo de 1964 habían obtenido un mediano éxito con su primer single Baby Let Me Take You Home, de Russell y Farrell. El segundo era una canción de origen incierto de la tradición folk americana. Se llamaba The House of the Rising Sun.
Libro de canciones populares de
Alan Lomax. Fuente: amazon.com
Su rastro se pierde en el tiempo. Podría ser un blues cantado por negros, pero para Alan Price, el teclista de Animals, procedía de Inglaterra y hablaba sobre un burdel en el Soho. Si fuera así, habría llegado de la mano, o más bien, de la voz de los emigrantes ingleses al Nuevo Mundo; entonces The Animals realmente habrían recuperado algo propio. Aparte de esto, la primera versión conocida es la de Clarence "Tom" Ashley y Gwen Foster en 1934. Ashley contó que la había aprendido de su abuelo. El estudioso del folk estadounidense, Alan Lomax, recorría el país recopilando canciones tradicionales para la Biblioteca del Congreso y en 1937 grabó en Kentucky a Georgia Turner, de 16 años, hija de un minero, cantando un blues llamado The Rising Sun Blues. Lomax creía que parte de la melodía había nacido en el siglo XVII en Inglaterra o Escocia, en la popular Lord Barnard and Little Musgrove. Luego le dieron voz todos los grandes nombres del folk de mitad de siglo Woody Guthrie, Josh White, Pete Seeger, Joan Baez, Bob Dylan y, también, Nina Simone. Dylan había copiado la hecha por otro cantante del Village neoyorkino, Dave Van Ronk; de éste tomaron la idea para su arreglo The Animals. Burdon la escuchó por primera vez en un club en Newcastle interpretada por Johnny Handle: "estábamos buscando una canción que captara la atención de la gente". Y dieron con la clave logrando un éxito mundial.
Imagen del vídeo de promoción. Fuente: stagevu.com
El vídeo promocional está muy cuidado. Burdon al frente, de pie, y tras él, Valentine con su guitarra y Chandler con el bajo le siguen por el estudio, ya que Price con su órgano y John Steel con la batería no se pueden mover. Todos visten uniformados al estilo beatle de primeros de los sesenta. La mirada del Burdon es dura, directa, mientras cuenta su cruda historia, con su voz desgarrada, haciéndonos sentir su profundo lamento, como si hablara de él mismo. Cantante, guitarra y bajo, pasean por el escenario y vuelven junto a los otros dos. Si no fuera play back, y estuvieran enchufados, tendrían un buen lío con el cable. Termina con una sorpresa, Price y su instrumento han cambiado misteriosamente de lugar, tal vez por eso el guitarrista se ríe momentos antes. El vídeo elegido abajo está subtitulado en inglés y español. En este otro tenéis una mejor calidad de audio y vídeo.
La grabaron de una sola toma el 18 de mayo de 1964, estudios De Lane Lea Studios en Kingsway, Londres, en un descanso de la gira inglesa que hacían con Chuck Berry, cuando la interpretaban al final de los conciertos. En el Reino Unido se lanzó a través de Columbia el 19 de junio y el 4 de julio fue número 1 estando ahí dos semanas. En su país The Animals y su productor Most apostaron por presentarla completa con su duración de 4'29"; y no apareció en ninguno de los álbumes. En Estados Unidos salió bajo el sello MGM en agosto y el 5 de septiembre subió a lo más alto del Billboard, donde estuvo tres semanas. Se incluyó en su primer LP, The Animals, pero recortado hasta 2'58". Vendería un millón de ejemplares en un mes. Hasta ese momento los únicos no estadounidenses que habían alcanzado ese puesto eran The Beatles y Peter and Gordon (con un préstamo de Lennon/McCartney). La invasión británica era un hecho, 24 semanas líderes en 1964; en 1965 llegarían a 28 semanas. Recuerda Alan Price: "estábamos tocando el Teatro Paramount de Nueva York y nos dieron un telegrama. Decía: "A The Animals. Felicidades por ser nº 1. De los Beatles (el grupo)".
Single The house of the rising sun.
Fuente: audiophileparadise.files.wordpress.com
Musicalmente la canción supuso una revolución. Se considera el primer éxito que unió el ritmo del rock a una melodía folk, era el folk-rock, modificando el compás de 4/4 a 6/8. Dylan, que había sacado una versión en su primer álbum de 1962, quedó impactado al oírla tocada por los Animals. El inicio, con ese riff de Hilton Valentine, atrapa al oyente haciendo imposible escapar a su encanto. La voz de Eric Burdon suena grave, poderosa, a la vez que melancólica, con ese velo característico de los bluesman negros, pero en realidad se trata de un joven inglés de sólo 23 años. Su voz aúna perfectamente los sonidos folk, blues y country, hasta entonces asociados a The house of the rising sun, y la lleva a los del rock. De hecho fue el primer grupo de este género que usó la canción y lo hizo con la instrumentación del género: bajo, guitarra, batería y teclado.Si la guitarra y la voz no fueran ya suficientes para triunfar, el añadido del Vox Continental de Price le da un toque diferente, creando algo totalmente nuevo. También renuevan las letras al cambiar el género del protagonista. Hasta ese momento era cantada desde el punto de vista de una mujer que, enamorada, sigue a un apostador borracho y acaba prostituyéndose. The Animals le dan la vuelta. Ahora es un hombre quien nos cuenta sus penas, siguiendo los pasos de su padre, jugador y borracho, encuentra en esa casa su perdición. De esta forma sería mejor aceptada por la sociedad de esos años.
New Orleans.
Fuente: fanfares.files.wordpress.com
Los arreglos de The house of the rising sun sólo están acreditados a Alan Price, porque la compañía les dijo que no podían poner todos los nombres, con lo que el teclista es el único que recibe rentas, lo que hoy día sigue provocando malestar entre los miembros originales, y con toda razón, pues aunque Price le da su sello particular, cualquiera que escuche los primeros segundos con la guitarra reconoce al instante qué canción es. Por otro lado, al ser anónima nadie puede reclamar derechos de autor lo que ha motivado que gran cantidad de intérpretes la hayan interpretado en todos los estilos. Nombres como The Beatles, The Doors, Frijid Pink, Jimi Hendrix, Bon Jovi, Scorpions, Demis Roussos, Gary Glitter, Dolly Parton, Bachman-Turner Overdrive, Tracy Chapman, Duran Duran, Muse, Miriam Makeba, Gregory Isaacs, Toto, Geordie y Sinead O'Connor, entre otros.
No se sabe si la Casa del Sol Naciente es un burdel, una sala de juegos o, tal vez, una cárcel. Se han propuesto varios lugares de Nueva Orleáns: un hotel en el barrio francés o la sala "Rising Sun Hall", los dos ya desaparecidos, pero sin pruebas definitivas. Incluso hay quien piensa que en realidad nunca existió y que es más bien una metáfora.
De ese mismo año del lanzamiento podemos ver un par de actuaciones para la TV. La primera fue filmada en la televisión Tyne Tees de Newcastle en julio haciendo playback, pero en la otra tocan en directo el 18 de octubre en Montego Bay, Jamaica, para el Show de Ed Sullivan.
The house of the rising sun
(Tradicional, arreglos Burdon, Price, Valentine, Steel y Chandler)
Pink Floyd en 1967. Arriba, de izquierda a derecha: Roger Waters, Nick Mason y Rick Wright; agachado, Syd Barrett
Fuente: bp.blogspot.com
Pink Floyd se convirtió en los años '70 en unos de los grupos más aclamados del rock, merecidamente. Roger Waters, bajo y voz, Nick Mason, batería, Richard Wright, teclados y voz, y David Gilmour, guitarra y voz, fueron los artífices de LP´s básicos para entender la música moderna. Dark Side of the Moon en 1973 y Wish you were here en 1975 les encaramaron a lo más alto, pero con la publicación del álbum The Wall, en 1979, y su posterior película en 1982, se hicieron aún más populares, en parte gracias al single Another brick on the wall. Luego en los '80 las malas relaciones en el grupo acabaron con la salida de Waters. Los restantes miembros mantuvieron la llama viva hasta 1994. Pink Floyd se reconoce por el sonido de la guitarra de Gilmour, de notas mantenidas, con unos teclados envolventes de Wright que les etiquetaron de rock espacial, usando innumerables efectos de sonido, textos que nos hablan de la cara oculta del ser humano: la opresión, la locura, la guerra, la soledad. Me doy cuenta, mientras escribo y me documento, que el 1 de marzo se han cumplido 40 años de su disco más sobresaliente, cénit de la música, un disco que hay que oír y oír y volver a oír. Pero como ya había elegido la canción a comentar y no era de ese disco, no voy a cambiar de opinión; además, no siempre, sólo algunas veces, coincidirán las entradas con algún aniversario. ¿O es siempre?, porque el día 10 de marzo 2013 se cumplen 46 años de la elegida para este artículo.
Todo tiene un comienzo. Dark side of the moon era ya el octavo disco de un grupo formado en 1965, pero cuyos orígenes arrancan con esa década. The Pink Floyd Sound, como se empezó llamando la banda, tenía como miembros originales a Waters, Mason, Wright, y Syd Barrett, guitarra y voz. Barrett lideró al grupo en estos años de formación cuando el grupo tocaba mucho rhythm and blues. Como evidencia de esa influencia, Barrett tomó el nombre de la banda de dos músicos de blues, Pink Anderson and Floyd Council. Aunque que una vez dijo que un platillo volante la había trasmitido el nombre de Pink Floyd, mientras estaba en Glastonbury Tor, colina que se dice albergó el Avalon de las leyendas artúricas y de la que pudimos ver una recreación con un papel principal en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012.
Los efectos de luces, parte de la escena en la psicodelia.
Fuente: tumblr.com
Eran los años de la psicodelia, de los viajes del ácido lisérgico o LSD a los que todo el grupo se aficionó, pero más aún el principal compositor y cantante, Syd Barrett. The Beatles habían publicado Revolver y Pink Floyd vio en este mundo la mejor forma de plasmar sus ideas, tanto en la composición como en los directos. Exploraban un nuevo campo musical, con sonidos etéreos, que les llevarían a ser los abanderados de la psicodelia británica. Sorprendentes e innovadores, en los conciertos proyectaban imágenes sobre los músicos mientras actuaban. Syd decía entonces: "Creemos que en el futuro los grupos van a tener que ofrecer mucho más que simples espectáculos musicales. Van a tener que ofrecer buenos y completos espectáculos teatrales." Actuación tras actuación por los clubes de Londres se crearon un nombre que les llevó a fichar por EMI el 1 de febrero de 1967. Tres días antes habían grabado su primer single, Arnold Layne, en los Estudios Sound Techniques con el productor Joe Boyd. Tras fichar por EMI, regrabaron la canción el 27 de febrero, pero la elegida fue la primera versión. Se lanzó el 10 de marzo en el Reino Unido y el 24 de abril en Estados Unidos, llegando en las listas británicas al número 20. En la cara B aparece Candy and a Currant Bun, también escrita por Syd.
Portada del single Arnold Layne.
Fuente: wikipedia.org
Arnold Layne trata de un travesti que robaba ropa de mujer de los tendales y está basado en un personaje real. Roger Waters contaba la historia así: "Tanto mi madre y como la de Syd tenían estudiantes como inquilinas porque había un colegio de niñas al final de la calle así que había constantemente grandes hileras de sujetadores y bragas en nuestro tendederos y 'Arnold' o quienquiera que fuese, quitaba piezas de los tendederos." Nunca le pillaron.
En directo la canción duraba entre diez y quince minutos, con largos desarrollos instrumentales, pero fue reducida para convertirla en el primer single. Nick Mason dijo que era fue la elegida para el single porque se podía condensar en tres minutos sin perder demasiado su esencia. Comienza con el bajo y la batería marcando el ritmo y enseguida la voz de Syd sobrevuela con un eco, hipnótica, mientras la guitarra sirve de acompañamiento. Richard Wright le acompaña en varias frases. A mitad de canción Wright toca un breve solo de órgano con un innegable aire psicodélico, no puede encajar mejor, muestra de lo que eran los directos. Vuelve Syd repitiendo Arnold Layne casi como un mantra, y acaba pidiéndole: "no lo hagas de nuevo".
Imagen del vídeo promocional de Arnold Layne.
Fuente: themortonreport.com
La emisora pirata Radio Londres dijo de ella que era demasiado alejada de la sociedad normal y la censuró. Poco después la BBC también prohibió su emisión. En una entrevista de aquellos días le preguntaron: "Syd, ¿por qué escribiste una canción tan sucia, obscena, inmoral y degradante como Arnold Layne?". Syd parpadeó sin comprender: "Bueno, yo sólo escribí lo que pensaba. Arnold Layne era un nombre bonito, y se adaptó muy bien en la música que había compuesto". Una respuesta con todo el sentido común hacia un interlocutor con nada de respeto. Por lo menos hemos avanzado en tolerancia.
A finales de febrero de 1967 se grabó en la playa de East Wittering, West Sussex una película de promoción para ser emitida en Top of the Pops de la BBC el 3 de abril, pero no salió al caerse la canción de las listas. En él los cuatro vestían y desvestían, armaban y desarmaban un maniquí.
Se grabó otro videoclip para el programa de TV francesa Bouton Rouge en la iglesia de St Michael en Highgate, cerca de la isla de Wight, el 29 de abril, en los días que comenzó el deterioro mental de Syd Barrett. Primero en un bosque, junto a una laguna y delante de la iglesia. Los dos vídeos están grabados con estética psicodélica, con imágenes grabadas al revés y con poses alocadas y divertidas.
Arnold Layne no se incluyó en el LP The piper at the gates of dawn, que se lanzó el 5 de agosto de 1967, aunque sí en la edición especial del cuarenta aniversario y en varios recopilatorios, siendo Relics de 1971 donde apareció por vez primera. En esos días cuando Pink Floyd grababa "The piper ..." en el estudio 3 de Abbey Road de EMI, The Beatles daban forma a su obra maestra "Sargeant Pepper´s" en el estudio 2, coincidiendo en los días y en las horas de las largas sesiones de grabación, siendooficialmente presentados el 21 de marzo, en la sesión en que The Beatles grabaron Lovely Rita y Getting Better. Lennon y McCartney ya les habían visto en la sala Roundhouse a finales de 1966. Este primer LP de Pink Floyd fue producido por Norman Smith, y llegó al número 6 de las listas británicas. El título lo tomó Barrett del capítulo séptimo del cuento The Wind in the Willows -El viento en los sauces- de Kenneth Grahame.
Portada del LP The piper at the gates of dawn.
Fuente: pinkfloydarchives.com
Durante 1967 la conducta de Syd se fue haciendo incomprensible para el grupo, se quedaba ido con la mirada perdida; en medio de un concierto, se estancó en un mismo acorde durante todas las canciones. La gira por Estados Unidos colmó la paciencia del grupo. En diciembre de 1967 el grupo cansado de esta situación ficha otro guitarrista, un antiguo amigo del instituto del propio Barrett llamado David Gilmour. Siguiendo el ejemplo de Brian Wilson en los Beach Boys, durante tres meses intentaron mantener a Syd en el grupo como compositor, fuera de los escenarios, pero la situación era insostenible. En marzo de 1968, queda fuera del grupo.
Su historia es la de un joven brillante que se desvaneció en el peligroso mundo de las drogas. Como Brian Jones de los Rollling Stones, habían definido una década en la música, pero ambos se perdieron en el camino. Syd voló demasiado lejos; tanto voló que nunca más aterrizó. ¿Le utilizaría Paul McCartney para crear su loco en la colina? Por las fechas bien podría ser y por los lugares también. Sin embargo, hay un debate abierto sobre si fue el uso de las drogas lo que le trastornó o simplemente sacó a la superficie su "locura". ¿Sufría esquizofrenia o padecía el síndrome de Asperger? En la página Incorrectpleasures se decantan por la sinestesia. Y en www.schizophrenia.com le consideran esquizofrénico. Sea como sea sus antiguos compañeros quedaron muy afectados y el recuerdo del compañero quedó reflejado en Wish you were here, canción y LP, en The Wall, y canciones como Brain damage o Shine On You Crazy Diamond. El mismo dijo: "La mente no tiene limites, pero sí cansancio."
"¿Qué es la razón? La locura de todos. ¿Qué es la locura? La razón de uno." Giuseppe Rensi.
Syd Barrett, el flautista a las puertas del amanecer. Fuente: box3.net
Las grabaciones disponibles de los conciertos con Syd, no son muchas, ni de buena calidad, caso de la actuación en el Star Club de Copenague.
El 27 de mayo de 2006 Gilmour y Wright la interpretaron en el programa de Jools Holland. David Gilmour la incluyó en mayo de 2006 en el Royal Albert Hall, en su gira en solitario de On an island, de la que hizo dos versiones, una cantada por Richard Wright, el 31 de mayo y otra por David Bowie el 29 de mayo, que aparecen en el DVD Remember that night.
Pink Floyd se juntó el 10 de mayo de 2007, con la ausencia de Roger Waters, en un concierto homenaje a Barrett muerto el 7 de julio del año anterior, titulado The Madcap's Last Laugh, en el Barbican de Londres. Wright, segunda voz en el original, fue el solista en lo que sería su última actuación vocal, pues también moriría al año siguiente. El 6 de septiembre de 2007 Wright hizo su última actuación con Gilmour en la gira de este último en la premier de la gira de Remember that night en Leicester Square Odeon con David Bowie como cantante invitado.
Arnold Layne (Syd Barrett)
Músicos:
Syd Barrett: guitarra y voz solista.
Roger Waters: bajo.
Richard Wright: órgano y coros.
Nick Mason: batería y percusión.
Letras en inglés
Arnold Layne had a strange hobby
Collecting clothes
Moonshine, washing line - they suit him fine!
On the wall hung a tall mirror
Distorted view, see through baby blue - he dug it!
Oh, Arnold Layne, it's not the same
Takes two to know, two to know
Two to know, two to know
Why can't you see?!
Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!
Now he's caught - a nasty sort of person
They gave him time
Doors bang, chain gang - he hated it!
Oh, Arnold Layne, it's not the same
Takes two to know, two to know
Two to know, two to know
Why can't you see?!
Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!
don't do it again
Letras en español
Arnold Layne tenía una extraña afición
colecciona ropa,
a la luz de la luna, del tendedero -le sientan bien!
En la pared colgaba un espejo alto
visión distorsionada, ve a través del azul celeste -le chiflaba.
oh, Arnold Layne, no es lo mismo,
se necesitan dos para saberlo, dos para saberlo,
dos para saberlo, dos para saberlo.
¿No te das cuenta?
¡Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!
Ahora le han atrapado -un tipo de persona asquerosa
Le dieron tiempo
portazos - prisioneros encadenados- él lo odia,
oh, Arnold Layne, no es lo mismo,
se necesitan dos para saberlo, dos para saberlo,
dos para saberlo, dos para saberlo.
¿No te das cuenta?
¡Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne, Arnold Layne!
No lo vuelvas a hacer. ~~~~~~ ¿Lo volvería a hacer?
