Annie´s song, John Denver

Fuente: johndenver.com

Cualquier canción de John Denver nos evoca la misma imagen: un músico sonriendo, con cara de buena persona, acompañado de su guitarra y con el paisaje de las altas montañas de fondo. Denver nos habla del amor por la naturaleza, nos lleva a lo alto de las Montañas Rocosas, subidos en las alas de un águila, dando gracias a Dios porque ser un chico de campo. Y lo hace con el lenguaje del country, del folk y del pop en más de 200 canciones, "armado" sólo con un lenguaje sencillo y con su cálida voz. 

Su nombre real era John Henry Deutschendorf, pero adoptó el de "Denver", en homenaje a esta ciudad junto a las Montañas Rocosas. Cuando era un adolescente, su abuela le regaló su primera guitarra, un acústica Gibson 1910. El dicho "la cara es el espejo del alma" en este caso es un hecho. Denver fue un defensor convencido de las causas humanitarias y medioambientales, perteneció entre otros a Save the Children, Sociedad Cousteau, Agencia Espacial Europea, Amigos de la Tierra y fundó la Fundación Windstar para la conservación de la fauna y también el Proyecto Hambre en el Mundo. También era un apasionado de la aviación y fue así como encontró la muerte el 12 de octubre de 1997 con sólo 53 años.

Single Annie´s song

En Annie´s song supo integrar el canto a la naturaleza en una bella canción de amor, dedicada a su mujer Ann. Era julio de 1973 cuando encontró la inspiración, donde vivía en Aspen, Colorado. El mismo John Denver lo contaba así: "Fue escrita después de que hubiéramos pasado por un momento particularmente difícil y nos habíamos unido de nuevo, en muchos sentidos más cerca que nunca. Realmente nos sentimos juntos y mucho más cerca por las experiencias que habíamos pasado. Un día yo estaba esquiando, y acababa de terminar un descenso que fue totalmente excitante. Esquié hasta el ascensor, subí al remonte y fui arriba de las montañas de nuevo, mis muslos ardiendo y todavía en  proceso de recuperar el aliento. Miré hacia las montañas que amo, y el cielo de Colorado era de un color azul que sólo puedes ver desde esta altura, -mi color favorito, debo añadir. El verde intenso de los árboles contra el blanco de la nieve, los trajes coloridos que las personas vestían, los sonidos como si la vida pasa entre cada pico y los pájaros cantando y las risas, y el olor del aire limpio y fresco ahí en las tierras salvajes, todas esas cosas pasaban por mi mente y todo era hermoso. Esto me llenó por completo".

Maroon Bells de qdkfqsz.com

"Empecé a pensar en otras cosas que son iguales que esto para mí, y mi primer pensamiento fue para la mujer de la que me había enamorado de nuevo, y como ella me llenaba por completo. Entonces me quedé mirando pensando en otras cosas -cosas en la naturaleza. Y en los diez minutos que se tarda en ir desde abajo de la Montaña Bell hasta la cima, había escrito Annie´s song. Tuve la melodía en mi cabeza, y sabía los acordes de la guitarra. Yo esquié hasta abajo de la colina, corrí a casa, cogí mi guitarra, y la toqué. Noel Stookey de Peter, Paul & Mary dijo que algunas veces no se sentía tanto como el escritor, sino más bien el instrumento de lo que quiere ser escrito. Eso es lo que esto me provocaba a mí. Annie´s song es una canción para todos los amantes y, en su sentido más profundo, una oración al amor en todos nosotros. "

Cuando Milt Okun, el productor, escuchó la primera versión de la canción le dijo a Denver que se parecía al segundo movimiento de la Quinta Sinfonía de Tchaikovski, en concreto al sólo de trompa, una hora después sólo las primeras cinco notas recuerdan a Tchaikovski.

Portada del Lp Back Home Again. 
Fuente: allmusic.com

La canción se incluyó en el LP Back Home Again publicado el 15 junio de 1974 bajo el sello RCA y producido por Milt Okun. El single vendió más de un millón de ejemplares, llegando al número 1 el 26 de julio (día de Santa Ana) de 1974 manteniéndose dos semanas.

La canción se hizo habitual en las bodas. Pero como la imbecilidad humana surge cuando menos te lo esperas hubo una campaña en contra de la canción de fanáticos cristianos que veían contenido sexual implícito en la última línea de la estrofa: "You fill up my senses, come fill me again","Tú llenas mis sentidos, ven y lléname otra vez". Y es que hay que tener los oídos sucios; si lo hubiera cantado una mujer, todavía. Pero ni aún así. Annie´s song es una canción de amor, de un amor recuperado, que empieza de nuevo.

Comienza, como no, con la guitarra acústica y seguido entra la voz de John Denver con esas notas que nos llevan a Tchaikovski, así durante la primera estrofa. En la segunda se incorporan los demás instrumentos, pero siempre con la voz y la guitarra predominando. A mitad de canción hay un interludio donde la mandolina y los arreglos orquestales toman la iniciativa, y en la última estrofa se repiten los versos del comienzo hasta que al final todos los instrumentos, menos la guitarra acústica, cesan para dejar a John decir los últimas líneas.

La canción tal y como se publicó en Back Home Again.

Instrumentación

John Denver: guitarra de seis cuerdas

Steve Weisberg: guitarra solista

Dick Kniss: bajo

John Sommers: mandolina

Jim Gordon: percusion

Lee Holdridge: arreglos orquestales 

Video con espectaculares imágenes tomadas en el Teide por el fotógrafo Terje Sorgjerd.

En el Lp de 2004 Definitive All-Time Greatest Hits apareció una versión acústica, sin arreglos orquestales.

En España esta canción es muy conocida por que además de la original fue interpretada por el tenor Plácido Domingo con Denver a la guitarra en 1981 y del grupo Mocedades que en 1983 modificó la letra, siendo conocida por Así fue nuestro amor. 

Directos

Hay muchas interpretaciones en vivo de esta canción. Estas son algunas interesantes   mostradas cronológicamente:

El 27 de diciembre de 1974 en el programa británico Top of the Tops con su guitarra de 12 cuerdas, con mandolina, guitarra y contrabajo como acompañamiento. En los '70 en su imagen estaban siempre presentes las gafas, similares a las de otro John.

John Denver y el flautista norirlandés James Galway tocaron juntos en vivo en Aspen en 1980. Galway había versioneado la canción en 1978. También la tocó en alguna ocasión con una estrofa en español, que puedes ver aquí.

Aquí sólo con la guitarra en el Lago Biwa en Japón en 1984 publicado en "John Denver Around the World". En los años '80 se quitó las gafas, pero su imagen era la de siempre.

Aquí en el Concierto Wildlife en 1995.

Letras

You fill up my senses

like a night in the forest,

like the mountains in spring-time,

like a walk in the rain,

like a storm in the desert,

like a sleepy blue ocean.

You fill up my senses,

come fill me again.

Come let me love you,

let me give my life to you,

let me drown in your laughter,

let me die in your arms,

let me lay down beside you,

let me always be with you.

Come let me love you,

come love me again.

Let me give my life to you.

Come let me love you,

come love me again.

You fill up my senses

like a night in the forest,

like the mountains in spring-time,

like a walk in the rain,

like a storm in the desert,

like a sleepy blue ocean,

You fill up my senses,

come fill me again.

..........

Llenas mis sentidos,

como una noche en el bosque,

como las montañas en Primavera,

como un paseo bajo la lluvia,

como una tormenta en el desierto,

como un soñoliento océano azul.

Llenas mis sentidos,

ven y lléname otra vez.

Ven y déjame amarte,

deja que te ofrezca mi vida,

déjame ahogarme en tu sonrisa,

déjame morir en tus brazos,

déjame reposar a tu lado,

déjame estar siempre contigo.

Ven, déjame amarte,

ven y ámame otra vez.

Déjame ofrecerte mi vida.

Ven, permíteme amarte,

ven, ámame de nuevo.

Llenas mis sentidos

como una noche en el bosque,

como las montañas en Primavera,

como un paseo bajo la lluvia,

como una tormenta en el desierto,

como un soñoliento océano azul.

Llenas mis sentidos,

ven y lléname otra vez.

Thank you, Led Zeppelin

Led Zeppelin, de izquierda a derecha: John Bonham, 

Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones. Fuente: geocities.jp

Con Led Zeppelin el rock alcanza uno de sus puntos culminantes, la revista Rolling Stone o el Salón de la Fama del Rock lo consideran el grupo más influyente de los 70's. La publicación de su primer LP homónimo produjo una conmoción en 1969. La hegemonía de la música beat había acabado y se buscaban nuevas vías. Una de estas propuestas partía desde el blues rock. En los 60 grupos como los John Mayall, Yardbirds, Rolling Stones, Jimi Hendrix Experience, Animals, de una u otra forma, habían explorado el género. Pero fue Cream el grupo más representativo del blues rock, con Eric Clapton en sus filas, durante los dos años de la formación hasta su disolución en 1968. Clapton había militado en el grupo Yardbirds, y al salir recomendó a Jimmy Page. También en 1968, Yardbirds se rompen y Page intenta refundir el grupo llamándolo primeramente New Yardbirds, con Robert Plant de vocalista, John Paul Jones al bajo y teclados y John Bonham a la batería; poco tiempo después cambiaron su nombre por Led Zeppelin y ficharon por el sello Atlantic.

En 1969 publican el primer disco, ya citado, y en ese mismo año como una continuación del anterior, aparece Led Zeppelin II. En ambos condensan un nuevo concepto musical, al blues le añaden rock, pero a su máxima potencia, los riffs de guitarra se convierten en seña distintiva, este instrumento, básico en el género, a veces suena afilada, y a veces distorsionada, la batería y el bajo contundentes, y la voz, aguda como un gemido, cargada de sexualidad. Es el hard rock. Además de Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, nacidos en el mismo momento, serán compañeros de viaje en la creación del nuevo estilo. Con el tiempo se produjo una confusión entre los términos Hard Rock y el Heavy Rock llegándolos a igualar; Led Zeppelin y el resto de los grupos del Hard Rock partían del blues, la psicodelia y el folk rock. Sin embargo, los grupos que llegaron a mediados de los 70, no tenían esa herencia, y desarrollaron al máximo la faceta más potente y salvaje del Hard Rock, creando el Heavy Rock o Heavy Metal.

Portada de Led Zeppelin II, Fuente: chartstats.com

El segundo álbum se publica el 22 de octubre de 1969, y el single elegido es Whole lotta love, tema estrella y demoledor, es uno de los mejores ejemplos de lo que significa el grupo. Esa  es la faceta más conocida, y en otra ocasión se tratará, pero en Led Zeppelin no todo es dureza, también hay una cara más relajada y acústica en todos los discos, y que les viene dada desde sus influencias folk y de la psicodelia. En el cuarto disco aunarán la parte acústica y folk con el estruendo del rock al componer su obra maestra y una de las cimas de la música contemporánea: Stairway to heaven. Pero mientras llega su momento escuchemos Thank you, de Led Zeppelin II.

Compuesta por Page y Plant, cierra la cara A del segundo LP. Es una canción de amor que Plant le dedicó a su mujer Maureen. En un grupo como Led Zeppelin y más en este LP, según ellos el disco más duro de su carrera, puede esperarse que en cualquier momento se desate la furia, pero esto nunca ocurre. La guitarra, el bajo y la batería se contienen, y la voz es sugerente, casi como un susurro al oído de quien la escucha, en especial al comienzo de cada estrofa, arropado por el órgano Hammond de John Paul Jones, mientras hacen Robert y Jimmy hacen coros en el estribillo. Al final, tras el único momento vocal intenso, "For you to me are the only one", vuelve la calma con la voz, delicada como pocas veces, de Plant; la música se desvanece al son del órgano hasta lo que parece el final, por que tras un breve silencio el órgano vuelve a aparecer por un momento. Escuchando el LP completo al oír esta canción es como estar esperando una tormenta con todo su aparato eléctrico, -nunca mejor dicho-, pero ésta no llega y de repente en el cielo se dibuja un arco iris.

Instrumentación:

Robert Plant: voz solista

Jimmy Page: Guitarra acústica y coros

John Paul Jones: Bajo y órgano

John Bonham: Batería

Aquí hay un vídeo con las letras en español e inglés.

Versiones en directo

En 1997 se publico el doble en directo BBC Sessions donde incluían Thank you grabada en el Cine París de Londres el 1 de mayo de 1971.

El 29 de julio de 1973 Led Zeppelin completó tres días de conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, terminando con Thank You.

Robert Plant & Queen interpretó junto a Queen, Thank you y Crazy little thing called love en el concierto homenaje a Freddie Mercury en 1992.

Letras

If the sun refused to shine,

I would still be loving you.

When mountains crumble to the sea,

there will still be you and me.

Kind woman I give you my all,

kind woman nothing more.

Little drops of rain whisper of the pain,

tears of loves lost in the days gone by.

My love is strong with you there is no wrong,

together we shall go until we die.

My my my an inspiration´s what you are to me,

inspiration, look ... see.

And so today, my world it smiles,

your hand in mine, we walk the miles.

Thanks to you it will be done,

for you to me are the only one.

Happiness, no more be sad,

happiness....i'm glad.

If the sun refused to shine,

I would still be loving you.

When mountains crumble to the sea

there will still be you and me.

.....

Si el sol se negara a brillar,

aún te seguiría amando.

Cuando las montañas se deshagan en el mar,

aún seguiremos tú y yo.

Mujer comprensiva, te lo doy todo,

mujer comprensiva, nada más.

Pequeñas gotas de lluvia susurran el dolor,

lágrimas de amores perdidos en los días pasados.

Mi amor es fuerte, contigo no hay error,

iremos juntos hasta la muerte.

Una inspiración es lo que eres para mí,

inspiración, mira... ve.

Y así hoy, mi mundo sonríe,

tu mano en la mía recorremos el camino.

Gracias a ti se hará,

porque tu eres para mi la única.

Felicidad, nunca más estar triste,

felicidad... estoy contento.

Si el sol dejara de brillar,

aún te seguiría amando.

Cuando las montañas se deshagan en el mar,

aún seguiremos tú y yo.

Solsbury Hill. Peter Gabriel

Genesis formación clásica, Fuente: lastfm.es

Peter Gabriel fue miembro fundador de Genesis y la personalidad más destacada de este grupo clave en el rock. Desde los inicios en 1968 hasta 1974 Genesis se había encaramado entre los grupos con más éxito del panorama musical, a pesar de no ser precisamente lo que se consideraba un grupo comercial, pues lo que elaboraba se trataba del rock progresivo y rock sinfónico. Era el rock con pretensiones, ir más allá de las canciones pegadizas de tres minutos, experimentando siempre. Genesis era uno de esos grupos y Gabriel, sorprendía a todos una y otra vez con su aportación musical, literaria y, más aún en los conciertos, donde se expresaba libremente. No era un cantante, era un intérprete, un actor con personajes para cada canción, "el hombre de las mil caras".

En 1974 el nuevo proyecto de la banda era un disco conceptual, que sería llamado "The lamb lies down on Broadway". Peter Gabriel era el único miembro del grupo casado y su mujer estaba embarazada por entonces. Las idas y venidas de éste para atender a su mujer en el proceso de composición y grabación del disco no eran del agrado del resto del grupo. Gabriel se concentró en las letras para dar la coherencia de un sólo autor a la historia, donde el personaje Rael buscaba su identidad; mientras, el grupo asumía la parte musical. Les salió un álbum increíble, diferente a los anteriores, menos etéreo y más urbano, pero de nuevo otra obra maestra, que se publicó en noviembre de 1974. Sin embargo, para Peter su vida familiar se enfrentaba a la de una estrella del rock y se encontraba atado dentro de su maquinaria.

En septiembre de 1975, llega la gran sorpresa: Peter Gabriel deja el grupo, y envía a los medios una carta de despedida. La ruptura no fue traumática, les avisó con ocho meses de antelación, en los que se llevó a cabo la gira de "The lamb...". Genesis significaba para ellos algo más que un grupo de rock, se había formado en el colegio Chaterhouse, cuando sólo eran unos adolescentes de 16 años. Esta decisión era un salto de fe, hacia adelante, en lo personal y en lo musical, y como él mismo dijo: "No me da miedo el fracaso, hay mucho más que aprender en el fracaso que en el éxito".

Car. Fuente: msicstack.com

Tras dos años fuera de escena, Peter regresa en 1977. “Tenía necesidad de un largo período de reflexión”. Su primer LP sería llamado simplemente Peter Gabriel, por que no quiso poner nombre a los discos; hoy se le conoce como Car o I. Grabado entre julio de 1976 y enero de 1977, en Toronto, Canadá  y producido por Bob Ezrin, (después produjo The Wall) fue lanzado el 25 de febrero de 1977. Nos muestra un sonido más desnudo, con menos pretensiones, más directo, que no sigue las pautas de Genesis de unidad creativa en cada disco, aquí cada canción explora un nuevo campo. Gabriel, siempre innovador, busca su propio camino.

Single Solsbury hill.
Fuente: colegionewman.org

Entre las canciones destaca Solsbury Hill, su primer single, que alcanzó en las listas el top 20. Es una mezcla de pop-rock, folk y rock-progresivo. Se trata de una canción vital, arrebatadora, que te invita a levantarte y seguir su ritmo. Está escrita en el poco frecuente compás de 7/4, sólo vuelve al habitual compás de 4/4, en el estribillo cuando habla de la vuelta a casa.

Solsbury Hill, es una colina a las afueras de la antigua Bath, Somerset, lugar donde Peter nos habla de una experiencia mística, pues una voz le dice: "Hijo, coge tus cosas, que he venido a llevarte a casa". En ella expresa sus sentimientos al dejar Genesis: "my life was in a rut", ("mi vida era una rutina"); "I was feeling part of the scenery, I walked right out the machinery", ("me sentía parte del decorado, me escapé del engranaje") y manifiesta que empieza otro Peter: "I will show another me", ("mostraré mi otro yo"). Se trata, entonces, de un reencuentro, consigo mismo. Lo que hace Gabriel es hablar de él, pero lo hace de forma abierta, por lo que cualquiera puede sentirse reflejado.

Bath desde Solsbury hill. Fuente: Panoramio, autor RoadsScholar  

Por último, en la canción Los Endos de A trick of a tail, primer disco de Genesis sin Peter Gabriel, Collins dice: "There's an angel standing in the sun" ("Hay un ángel parado en el sol") "Free to get back home" ("Dejázlo libre para que pueda volver a casa"). Por un lado reproduce las últimas palabras de Supper´s ready la canción de la banda de 1972, y por otro es una clara la referencia a Solsbury Hill, un homenaje al miembro que había partido.

Instrumentación

Peter Gabriel: voz 

Tony Levin: bajo y chapman stick

Allan Schwartzberg: batería

Robert Fripp, Steve Hunter: guitarras

Larry Fast: sintetizador

Si prefieres ver el videoclip original haz click. 

Esta canción ha formado parte del repertorio Gabriel en todas sus giras. En 1978 la interpretaba sin el atrezzo de su época en Genesis, como en el concierto en el Rockpalast. El 2 de octubre de 1982 Genesis se reunió en el Milton Keynes para un único concierto llamado Six of the best, entre las canciones tocaron Solsbury hill. ¡Qué paradoja, Genesis (con Peter) toca la canción en la que éste explica su salida del grupo! En el disco en directo Plays Live de 1983, también la encontramos. 

A mi juicio, éstos dos son los directos donde la canción es más cautivadora: la del Secret World Tour de 1994, ...

...y la del tour Growing up de 2003, como ésta de Milán, donde el grupo se divierte y nos divierte.

Más recientemente, en 2011 Peter Gabriel ha recuperado algunas viejas canciones, acompañado de una orquesta en el disco New Blood, como la actuación en octubre de 2011 en el programa de Jools Holland.

Letra

Climbing up on Solsbury Hill

I could see the city light

Wind was blowing, time stood still

Eagle flew out of the night

He was something to observe

Came in close, I heard a voice

Standing stretching every nerve

Had to listen, had no choice

I did not believe the information

I just had to trust imagination

My heart going boom boom boom

"Son," he said "Grab your things,

I've come to take you home."

To keep in silence I resigned

My friends would think I was a nut

Turning water into wine

Open doors would soon be shut

So I went from day to day

Though my life was in a rut

'Till I thought of what I'd say

Which connection I should cut

I was feeling part of the scenery

I walked right out of the machinery

My heart going boom boom boom

"Hey," he said "Grab your things

I've come to take you home."

Yeah back home

When illusion spin her net

I'm never where I want to be

And liberty she pirouette

When I think that I am free

Watched by empty silhouette

Who close their eyes but still can see

No one taught them etiquette

I will show another me

Today I don't need a replacement

I'll tell them what the smile on my face meant

My heart going boom boom boom

"Hey," I said "You can keep my things,

They've come to take me home."

..........

Al subir a la colina de Solsbury

pude ver las luces de la ciudad.

El viento estaba soplando, el tiempo se paró.

Un águila surgió volando de la noche

Algo para observar.

Se acercó, oí una voz.

Me detuve con los nervios en tensión.

Tuve que escuchar. No tuve otra opción.

No creí lo que me decía.

Tuve que confiar en la imaginación.

Mi corazón latía bum, bum, bum.

"Hijo", me dijo. "Coge tus cosas,

que he venido a llevarte a casa".

Me resigné a guardar silencio.

Mis amigos podrían pensar que era un chiflado,

convirtiendo el agua en vino, 

abriendo puertas que pronto se cerrarían.

Así que fui de día en día.

Creí que mi vida era una rutina.

Hasta que pensé lo que diría.

¿Qué conexión cortaría?

Me sentí parte del decorado.

Me escapé del engranaje.

Mi corazón latía bum, bum, bum.

"Hijo", me dijo. "Coge tus cosas,

que he venido a llevarte a casa".

(De vuelta a casa).

Cuando la ilusión teja su red.

Nunca estoy donde quiero estar.

Y la libertad hace piruetas.

Cuando creo que soy libre.

Observado por vacías siluetas

que cierran sus ojos pero aún pueden ver.

Nadie les enseñó modales.

Mostraré mi otro yo.

Hoy, no necesito un sustituto.

Les diré lo que significa esta sonrisa en mi cara.

Mi corazón latía bum, bum, bum.

"Hey", dije. "Puedes quedarte con mis cosas, 

han venido para llevarme a casa".

Harold Land, Yes

Primera formación de Yes: de izquierda a derecha Peter Banks,
Bill Bruford, Jon Anderson, Chris Squire, Tony Kaye
Fuente: mercado.articulolibre.cl

En el verano de 1968, el cantante Jon Anderson se unió a un grupo llamado Toyshop Mabel Greer, que también incluía el bajista Chris Squire y el guitarrista Peter Banks. Después llegaron el batería Bill Bruford y el teclista Tony Kaye, creando el grupo Yes. Tocaron por multitud de locales como el Marquee y fueron teloneros en los conciertos de despedida de Cream en el Royal Albert Hall de Londres el 25 y 26 de noviembre de 1968. En la primavera de 1969 grabaron su primer disco "Yes", que fue producido por la banda y Paul Clay, y publicado por el sello Atlantic el 25 de julio de 1969.

Portada LP "Yes", edición Reino Unido
Fuente: sinfomusic.es

Musicalmente, en este primer disco Yes estaba buscando su sonido en plena vanguardia, mediante sus propias canciones o reelaborando versiones de grupos como The Beatles, Simon and Garfunkel, o CSN con ritmos cambiantes de pasajes instrumentales y armonías vocales, con el que irán creando un estilo único. Los dos primeros LP´s de Yes son otra cosa a lo que después les encumbrará como uno de los líderes del rock progresivo, muestran un grupo buscando su personalidad. No tendrán el arranque de King Crimson o ELP, pero esta obra es mucho más madura que el dubitativo inicio de Genesis. 

Portada LP "Yes", edición EE. UU.

Así ocurre en Harold Land, anticipo de lo que está por venir en la música de Yes. La canción fue compuesta por Anderson, Squire y Bruford, siendo éste último quien sugirió el nombre, que es el de un saxofonista de jazz, pero que no tiene nada que ver con el personaje. Lo que aquí se presenta es un mensaje claramente antimilitarista. Eran los años de la guerra de Vietnam, de la cultura hippie, del "Haz el Amor, no la guerra", y Yes nos cuenta la historia de una persona que es llamada a las armas, y como, tras su regreso, había perdido "su amor y juventud". Al final del primer verso se dice "...goodbye to all that", que es el título de una novela de Robert Graves, escrita en 1929, donde cuenta su vivencia en la Primera Guerra Mundial, y los horrores con los que se encontró.

La canción entra sin avisar con el órgano Hammond de Kaye que lleva las riendas, acompañado por la batería, las voces entran a escena por un momento y de nuevo dominan el órgano y la batería. Hasta el minuto y medio no empieza propiamente la canción con la voz de Anderson casi sin acompañamiento contrastando con el comienzo, a partir de aquí el ritmo se acelera, mientras Anderson, Banks y Squire hacen coros al final de cada estrofa. La letra y la música son consecuentes una con otra, mientras Jon canta "...soldiers in the rain...", la música suena a desfile militar, sin embargo a continuación como contrapunto al momento anterior la música va a tono con el momento sombrío que nos relata "in the mud ...". La sección central "Going home" establece una de las señales distintivas de toda la carrera del grupo, los juegos vocales entre el solista y Squire. En la última estrofa la voz de Jon vuelve a sonar íntima enmarcada por el órgano, mientras se acrecienta el ritmo para desembocar en una conclusión: "...there is no heart in Harold Land", aunque sobrevivas a la guerra ésta se lleva tu corazón". Al final vuelve la misma sección con la que se inició la canción. A pesar de no ser uno de los compositores el trabajo de Kaye es excelente y demuestra que es pieza fundamental en los inicios del grupo.

Instrumentación:

Bill Bruford: batería

Chris Squire: bajo y voces

Peter Banks: guitarra y voces

Jon Anderson: voz solista

Tony Kaye: órgano y piano

Harold Land with a wave of his hand said goodbye to all that.

He paid his bills and stopped the Milk, then put on his hat.

He tried to say his last farewells as quickly as he could,

promising that he would return, but doubted that he would,

doubted that he would.

Now he's marching soldiers in the rain as on to war they rode.

A long thin line of human mind, damnation as their load.

In the mud in coldness dark, he'd shiver out his fear,

what disappointing sights he'd seen instead of one´s so dear,

instead of one´s so dear, so dear.

Going home, he's going home to the land he loved so well.

Going home, he fought for two whole years he never fell.

Going home, he's going home,

going home, he's going home.

Harold Land with a wave of his hand stood sadly on the stage,

clutching red ribbons from a badge, but he didn't look his age.

Only two years had passed between his leaving home and back;

he had lost his love and youth while leading the attack, leading the attack.

In conversation it could be said,

well after war your heart is dead.

Well it's not hard to understand,

there is no heart in Harold Land.

.............

Harold Land, con un gesto de la mano, se despidió de todo eso.

Pagó sus cuentas, canceló la leche, luego se puso el sombrero.

Trató de decir sus últimos adioses tan rápido como pudo,

prometiendo que volvería, pero dudaba que lo hiciera,

dudaba que lo hiciera.

Ahora está marchando, soldados bajo la lluvia, sujeto a la guerra que ellos montaron. 

Una línea larga y delgada de mentes humanas, ¡la condenación como su carga! 

En el barro, en la oscura frialdad, había temblado de miedo, 

qué visiones desalentadoras había visto en lugar de una tan querida,

en lugar de una tan querida. 

De vuelta a casa, él va a casa a la tierra que tanto amaba. 

De vuelta a casa, luchó durante dos años completos nunca cayó.

De vuelta a casa, él va a casa, 

de vuelta a casa, él va a casa. 

Harold Land con un gesto de su mano quedó tristemente en el escenario, 

agarrando lazos rojos de una insignia pero él no aparentaba su edad.

Sólo dos años habían pasado entre su salida y regreso a casa; 

había perdido su amor y su juventud mientras lideraba el ataque,

liderando el ataque. 

En conversación se podría decir, 

bueno, después de la guerra tu corazón está muerto. 

Bueno, no es difícil de entender,

no hay corazón en Harold Land.